Mimuroto-ji, el templo de las flores

Mimuroto-ji, localizado en la ciudad de Uji, al sur de Kioto, es uno de los lugares más famosos para mirar las hortensias (ajisai). Este templo es también famoso por el tsutsuji (azalea) y el hasu (loto).
El templo de Mimuroto-ji es la décima parada de los treinta y tres sitios de la Peregrinación Saigoku Kannon. Kannon (a veces Kanzeon o Kwannon) es el nombre japonés para el bodhisattva Avalokitasvara, o Bodhisattva de la Compasión, una de cuyas 33 manifestaciones (la única mujer) corresponde al bodhisattva chino Kuan-yin, conocido en el Oeste como la “Diosa de la Misericordia”. Es la más famosa de las peregrinaciones japonesas, que abarca desde el Lago Biwa a Kobe. El patio del templo está lleno de maceteros con plantas de loto y un monumento conmemorativo al lado del campanario es asociado con Ukifune en El Cuento de Genji, la obra maestra de Murasaki Shikibu escrita a principios del siglo XI. De sus 54 capítulos, los últimos diez son conocidos como el “Uji-jujo”, ya que las escenas de estos capítulos se desarrollan principalmente en Uji.
Mimuroto-ji es popularmente conocido como el “Templo de las Flores” (Hana no Tera). Posee muchas obras de arte del periodo Heian (794-1185) y la Casa del Tesoro es reconocida por preservar una escultura de la imagen de Shakyamuni Buda. Se dice que el Templo de Mimuroto-ji fue construido en el siglo VIII por demanda del Emperador Konin. Fue reconstruido después de que se quemara completamente en un incendio de 1460. Los edificios actuales se reconstruyeron a principios del siglo XIX.

Ajisai en Mimurodo-ji

Visitamos el templo de Mimurodo-ji, en Uji, para admirar su famoso jardín de Ajisai.

Ajisai (紫陽花 o アジサイ) significa “hortensia”. Esta planta florece en la temporada de lluvias y dura varias semanas. En esta época los japoneses admiran su florescencia y constituye un verdadero motivo de peregrinación a los templos y jardines en donde se encuentra. La hortensia pertenece a la familia de las Hydrangeaceae y es un género de aproximadamente 100 especies. Las plantas son nativas de Asia del sur y oriental (de Japón a China, los Himalayas e Indonesia) y también en Norteamérica y Sudamérica. Pero la diversidad más grande de la especie está en Asia oriental, notablemente en China y Japón. La mayoría son arbustos de 1 a 3 metros de alto, pero algunos son árboles pequeños, y pueden ser de hoja caduca o perenne. En la mayoría de las especies las flores son blancas, pero en algunas especies (notablemente el Hydrangea macrophylla (Hydrangea de hojas grandes) puede ser azul, rojo, rosa, o púrpura. En estas especies el color exacto depende a menudo del pH de la tierra; las tierras agrias producen las flores azules, las tierras neutras producen los pétalos de crema muy pálidos y las tierras alcalinas producen colores en rosa o púrpura.
A continuación transcribo dos haikus con el tema del ajisai.

紫陽花や　帷子時の　薄浅葱
ajisai ya / katabiradoki no / usuasagi.

Matsuo Basho


紫陽花や青にきまりし秋の雨
ajisai ya/ ao ni kimarishi/ aki no ame

Masaoka Shiki

Estas hortensias
ellas son ahora todo el azul
la lluvia del otoño

La fama de Takashi Miike

La fama meteórica de Takashi Miike en los primeros años del nuevo milenio se debe a una película: Audition. Entonces quedó claro para muchos que este director había hecho mucho más de una película. Y si uno estudia la filmografía de Miike quedará pasmado por su productividad (cincuenta películas, tres series de televisión, dos videos de música, un documental, y un comercial en once años) lo que ayudó a formar su leyenda, y a preguntarnos como hizo con esta gran cantidad de filmes para cruzar límites aceptados de exceso y mantener la calidad en su trabajo. Películas como Muerto o Vivo, Visitante Q, e Ichi el Asesino, con sus temas y escenas potencialmente ofensivas, todavía provocan discusiones feroces sobre los méritos de su trabajo, mientras que las mismas películas crean a través del mundo un círculo creciente de fanáticos entusiastas. Miike debutó como director en 1991, después de pasarse varios años trabajando como ayudante, de directores de cine como Shohei Imamura, en Zegen (1987) y Lluvia Negra (1989 en la que él puede verse brevemente como un actor), Toshio Masuda, Hideo Onchi, y Kazuo Kuroki.
La película Shinjuku Tríada Sociedad (Shinjuku Kuroshakai: China Mafia Senso) normalmente se ve como el punto de partida de Takashi Miike el artista. Aunque muchos de sus temas ya estaban presentes en otro filme de yakuza que él hizo: Shinjuku Outlaw.
Shinjuku Tríada Sociedad era una película muy completa en todos los aspectos: El actor Sabu (años después director) interpreta en un papel de apoyo, el descenso de un policía chino-japonés cuya persecución de un delincuente taiwanés perturbado, a través de las calles encendidas de luces de neón en el distrito de Shinjuku de Tokio, lo confronta finalmente con su propia herencia y el pasado que él ha intentado esconder para tener éxito en la sociedad japonesa. La película contiene todos los temas que vendrían a dominar el trabajo de Miike: el desarraigo de los seres humanos que se sienten aislados de la cultura en que viven, quienes buscan un lugar dónde ellos sean aceptados, aunque saben al mismo tiempo que tal lugar es meramente una fantasía nostálgica. Es la separación de los caracteres, esa doble personalidad y la tristeza inherente en su dificultad que a menudo resulta en violencia, una violencia que es omnipresente en la Shinjuku Tríada Sociedad.
La película fue la primera parte en una trilogía extraoficial en la que Miike se atrevió a tratar públicamente los temas de desarraigo y desplazamiento de los inmigrantes en la sociedad japonesa. La Shinjuku Tríada Sociedad, Perro Lluvioso y Ley Lines conforman lo que podría considerarse como el espinazo temático del cuerpo de trabajo de Miike. Casi cada aspecto cinematográfico de Takashi Miike puede encontrarse en estas tres películas, aunque él ha ido más allá en la extensa exploración de esos aspectos en las películas siguientes. En una entrevista realizada por Manuel Yáñez y Alejandro G. Calvo durante el festival de Sitges, los días 3 y 4 de diciembre de 2003, Miike declaró:
“Yo entiendo que los distribuidores sólo se acerquen a mis películas más violentas, dado lo peculiar del mundo de los yakuzas y de cómo trato la violencia en ellas. No me siento ni preocupado ni frustrado por que no vean mis otras películas, porque yo sé que hago otras cosas, y no pretendo que se conozca todo de mi... sería imposible. Para mi es suficiente con que conozcan una parte de mi cine y que se diviertan con ella. Mi intención es hacer una película y divertirme con ella, luego, si se distribuye o no, si el público la acepta o no, ya es otra historia. (...)
En los diez años que llevo realizando películas siempre me ha interesado llevar una historia a donde la imaginación nunca haya estado. Sé que ha pasado mi mejor momento a nivel físico, así que estoy en un momento en que disfruto negando la realidad. Quiero llevar mi cine a un sitio más imaginativo, donde nada esté aún creado”.

Filmografía esencial de Takashi Miike.
Sukiyaki Western: Django, 2007; Masters of Horror, (episodio “Imprint/Huella”), 2005-2006; Yōkai daisensō, 2005; Zebraman, Chakushin Ari / (Llamada perdida), Izo: Kaosu Mataha Fujori no Kijin, Paato-taimu tantei 2, 2004; Kōshōnin, Yurusarezaru Mono, Gokudō Kyōfu Daigekijō: Gozu / Gozu, Kikoku, 2003; Jitsuroku Andō Noboru kyōdō-den: Rekka, Dead or Alive: Final, Onna Kunishu Ikki, Sabu (TV Movie), Shin Jingi no Hakaba, Pandora, Kinyu Hametsu Nihon: Togenkyo no Hito-bito / Shangri-la, 2002; Family, Visitor Q, Koroshiya Ichi / Ichi the Killer, Araburu Tamashii-tachi / Agitador, Katakuri-ke no Kōfuku / The Happiness of the Katakuris, Zuido Genso: Tonkararin Yume Densetsu, Kikuchi-jo Monogatari: Sakimori-tachi no Uta, 2001; Hyoryuu-gai, Tengoku Kara Kita Otoko-tachi, Dead or Alive 2: Tobosha, Tsukamoto Shinya ga Rampo, 2000; Nihon Kuroshakai / Ley Lines, Silver, Dead or Alive: Hanzaisha / Dead or Alive, Salaryman Kintaro, Audition, 1999; Chugoku no cojín, Andromedia, Kishiwada Shonen Gurentai: Bokyo-hen, Blues Harp, 1998; Kishiwada Shonen Gurentai: Chikemuri Junjo-hen, Jingi Naki Yabo 2, Full Metal Gokudo / Full Metal Yakuza, Gokudo Kuroshakai / Perro lluvioso, 1997; Shin Daisan no Gokudo 2, ShinDaisan no Gokudo: Boppatsu Kansai Gokudo Senso, Osaka Saikyo Densentsu: Kenka no Hanamichi, Jingi Naki Yabo, Rakkasei / Peanuts, Kenka no Hanamichi: Oosaka Saikyo Densetsu, Gokudo Sengokushi: Fudo / Fudoh: The New Generation, 1996; Daisan no Gokudo, Bodyguard Kiba: Shura no Mokushiroku 2, Nani wa Kinyuden, Minami no Teio: Special Gekijyoban (dir. Sadaaki Haginiwa) – productor, Nani wa Yukyoden, Shinjuku Kuroshakai: China Mafia Senso / Shinjuku Triad Society, 1995; Shinjuku Outlaw, Bodyguard Kiba: Shura no Mokushiroku, 1994; Bodyguard Kiba, Oretachi wa Tenshi ja Nai 2, Oretachi wa Tenshi ja Nai, 1993; Ningen Kyoki / Human Murder Weapon, 1992; Toppuu! Minipato tai / Eyecatch Junction, Ai to Urugari no Hyaku-oku Yen / Last Run, Koroshi no Prelude / Lady Hunter, Shimanto-gawa (dir. Hideo Onchi) – asistente jefe de director, 1991; Peesuke: Gatapishi Monogatari (dir. Shuji Goto) – asistente de director, Ronin-gai (dir. Kazuo Kuroki) - assistant director, 1990; Kuroi Ame / Lluvia negra (1989, dir. Shohei Imamura) – asistente de director, 1989; Kujaku O, 1988; Zegen (1987, dir. Shohei Imamura) – asistente de director, 1987.

Kishiwada Shōnen Gurentai: Bōkyō

Kishiwada Shōnen Gurentai: Bōkyō nos muestra la preadolescencia de Riichi Nakaba en los años 60. Adentrándose con muchos más detalles en la relación del muchacho con su padre, el pelafustán, Toshio, interpretado por Naoto Takenaka. El retrato de Miike de su niñez y adolescencia es nostálgico y casi idílico, algo recurrente en Takashi Miike en sus numerosas películas. El accionar de los chicos y sobre todo del más joven de los niños y el más capaz ellos es de supervivencia, felicidad e imaginación. La nostalgia se nos presenta con niños que incluso no han alcanzado todavía la pubertad y mientras ellos aparecen en gran parte de la película con las caras machucadas, ningún daño se hacen en la vida real. Cuando un Toshio ebrio le da una paliza a su hijo Riichi, el muchacho recuerda la mayoría de las huelgas de tiempo atrás. La atadura entre los dos se pone más firme realmente después de que Riichi, diez años más viejo, le da una paliza legítima a su padre con un bate de béisbol.

Pero ciertamente de violencia no es toda esta película. Reconstruye también toda una época: el momento de la llegada del hombre a la luna; de los movimientos obreros y estudiantiles, como mayo del 68; los jóvenes hippies y las canciones típicas de los sesenta. En este sentido, aunque Miike se atreve a tomar vuelos de imaginación imaginativa, nunca pierde de vista la realidad, en todo momento siempre preserva sus caracteres genuinos, si ellos son niños o adultos. Podemos decir que ejecuta la gama de emociones con una habilidad admirable: las aventuras de Riichi son a su vez cómicas, conmovedoras, tristes, o excitantes.

Esta manera respetuosa, casi misericordiosa, en que el director trata a sus actores y la subsistencia de los caracteres hace que la película esté libre de la monería artificial. Debemos destacar que la narrativa de la nostalgia es principalmente episódica, se recrea un extracto de la vida de su protagonista en lugar de una parcela de la historia. Pero la apelación no está en la parcela, está en el retrato. El protagonista es la base para recrear y hablar acerca de la propia vida de Miike (él y Nakaba son de familias de la clase obrera de Osaka y nacieron en los años sesenta); esta película es quizás la más íntima de Miike. Pero también se atreve ser imaginativo y dar cuenta a la vez de la realidad misma con todas sus contradicciones, cualidad que sólo subraya la calidad de la película.

Llena de elementos autobiográficos de su propia vida, regresa a la juventud temprana de su protagonista en los años sesenta. Lo pone creciendo en una casa rota, con un padre que prefiere el juego por dinero (mientras bebe y duerme con las mujeres que hacen strip-tease) a pasarse tiempo con su esposa subordinada. Miike intentó retratar la niñez con una falta completa de sentimentalismo y logró mostrar una comprensión astuta de la mente de un niño, que traducida a la comedia de la vida, refleja una pintura amable y juguetona de violencia y vuelos ocasionales de imaginación.