Hierba flotante

Terremoto en Japón

2011-03-23T13:38:00.003+09:00

Existen algunas sutiles coincidencias que a veces resultan premonitorias y es lo que me pasó días antes del desastre natural en Japón. En mis vacaciones decidí leer dos libros que se encuentran en la biblioteca de Kansai Gaidai. Una novela de Don Delillo, El hombre del salto, que trata de las consecuencias en los protagonistas del atentado a las torres gemelas, y un libro de crítica e interpretación, de Michael Seats, sobre Haruki Murakami. Me sorprendió en el libro de Seats, en la primera página del prefacio, la relación establecida entre los atentados terroristas y los desastres naturales, es una invitación a la reflexión en estos días en que el pueblo japonés se enfrenta a unos de los peores desastres desde la Segunda Guerra Mundial.

Transcribo mi traducción de la primera página del prefacio del libro de Michael Seats, perdón por los posibles errores…

“En enero del 2005 apareció, en una sección especial del periódico japonés Asahi Shinbun, un ensayo escrito por el novelista Haruki Murakami en conmemoración del Gran Terremoto de Hanshin ocurrido una década antes (1). En el artículo, Murakami relata sus propias respuestas emocionales a la catástrofe y vincula la experiencia muy personal del horror con las dimensiones más colectivas sufridas en guerras, desastres naturales y actos de terrorismo. El autor recuerda que en su visita a la escena de la desastrosa actuación de las tropas japonesas en Nomonhan (Mongolia) en 1939, por la noche se despierta por lo que él imagina que es un terremoto. Pronto se da cuenta, sin embargo, que ha experimentado algún tipo de "violenta convulsión personal". El conjetura que esto ha sido provocado por una internalización o identificación aguda e inconsciente al principio del miedo y el dolor de los miles que perdieron la vida -al parecer sin propósito-, en ese tramo de tierra yerma.

El viaje de Murakami al cementerio del campo de batalla de Nomonhan ya había sido representado en detalle algunos años antes en los ensayos y las fotos del libro Henkyo-Kinkyo (2). En la pieza corta conmemorativa en el periódico en que vuelve al "incidente" y en su representación en Nejimakidori kuronikuru (3) (Crónica del pájaro que da cuerda al mundo (4)). Todo esto se yuxtapone con un deseo de dar cuenta de la conmoción que le han producido y como poco a poco se enteró de las catastróficas consecuencias del terremoto en su ciudad natal. Más adelante en el ensayo, Murakami ofrece otra comparación. Él recuerda cómo en la edición al inglés de Kami no wa kodomotachi Minna odoru (5) (cuentos en torno al tema del Terremoto de Hanshin) titulado Después del terremoto, (6), que se publicó en los Estados Unidos, posteriormente a los ataques terroristas en los Estados Unidos del 11 de septiembre 2001, llevó a los estadounidenses recientemente traumatizados a transmitirle su profunda empatía con las vidas devastadas representadas en estas historias. A partir de esto, Murakami llega a la conclusión que, en términos del enorme desafío en la recuperación emocional, los actos humanos de terror y los desastres naturales a gran escala parecen tener mucho en común.

En los últimos años, no sólo periodistas y escritores de ficción se han comprometido en estudiar la política del terror. Los filósofos también han mostrado su interés. Al igual que Murakami, Jean Baudrillard encuentra una semejanza entre el acto terrorista y la catástrofe natural, aunque por razones diferentes (7). Obviamente, hay una gran diferencia en las experiencias de las víctimas del terror y las catástrofes naturales, y los "testigos" de estos "eventos" a través de los medios de comunicación. Como señala Baudrillard, al cabo, la mayoría de la gente experimenta tales desastres como la simulación de un objeto del mundo en el que la representación parece haberse desvanecido y lo real se vuelve en indiferente a la diferencia y donde el terror y la naturaleza son vistos como malévolos y arbitrarios (8)”.

Notes

1. Murakami Haruki, "Jishin no ato de," in ‘Tokushu: hanshin daishinsai junen’, Asahi Shinbun, 17 January 2005, 12 (N).

2. Murakami Haruki, Henkyo-Kinkyo (Shinchôsha, 1998).

3. Murakami Haruki, Nejimakidori kuronikuru (Shinchôsha, 1994-95).

4. Murakami Haruki, The Wind-Up Bird Chronicle. Trans. Jay Rubin (London: Harvill, 1997).

5. Murakami Haruki, Kami no kodomotachi wa minna odoru (Shinchôsha, 2000).

6. Murakami Haruki, After the Quake, trans. Jay Rubin (London: Harvill, 2002).

7. See Jean Baudrillard, The Spirit of Terrorism, trans. Chris Turner (London: Verso, 2003), 98-99(fn).

8. See lean Baudrillard, The Illusion of the End, trans. Chris Turner (Cambridge: Polity Press, 1994), 81, 119.

Bibliografía:

Seats, Michael. Murakami Haruki. The simulacrum in contemporary japanese culture. Lexington Books, U.S.A., First Paperback Edition 2009. 364 págs.

Delillo, Don. El hombre del salto. Austral, Barcelona, 2010. 289 págs.

Dostoyevski lee a Hegel

2010-09-23T12:54:00.002+09:00

“Buñuel explicó el fin de la fe tradicional como una consecuencia de sus exageraciones relativas al infierno. El verdadero infierno, sin embargo, no es tan colorido como se presenta en los cuentos. Antes bien, parece natural, sensato, lógico. Como el mundo de Hegel al que Dostoyevski regresó desde Siberia. El único lugar al que podía ir. Libre de todo encanto. Cuando la plenitud del Ser, el Todo cósmico se reduce a un mundo técnicamente manipulable: eso es el infierno. No necesita diablos, ni lenguas de fuego, ni lagos de brea hirviente. Bastan el olvido y la ilusión de que la frontera del ser humano no es lo divino, sino lo palpable, y de que el caldo de cultivo del espíritu no es lo imposible, sino algo terriblemente racional y aburrido: lo posible”.

Esta cita es del pequeño libro Dostoyevski lee a Hegel en Siberia y rompe a llorar del ensayista húngaro László Földényi, autor de El sudario de la Verónica y Melancolía, entre otros textos. Según Földényi, cuando Dostoievski se enteró de que había sido apartado de la historia por la cual había soportado humillantes persecuciones, nació en él la convicción de que la vida posee ciertas dimensiones que no tienen cabida en la historia y su racionalidad. Por lo tanto, llega a la conclusión de que la historia manifiesta su esencia a quienes ha excluido antes.

El castillo de Hikone

2009-12-18T11:13:00.005+09:00

Hikone se encuentra en la parte centro-oriental de Shiga y es un centro comercial y cultural en la orilla oriental del Lago Biwa. La ciudad ha sido un punto importante para el tráfico desde los primeros tiempos y se desarrolló como un castillo de la familia Ii. Esta familia desempeñó un papel activo en el shogunato Tokugawa, que se prolongó por más de 250 años.

El castillo de Hikone tiene como telón de fondo el Lago Biwa y es considerado como uno de los cuatro castillos del patrimonio nacional. Los otros son: el castillo de Inuyama, en Aichi; el castillo de Himeji, en Hyogo, y el castillo de Matsumoto en Nagano.

Además de la torre del castillo (sus tres pisos de tiza blanca son un símbolo de la ciudad) designada como tesoro nacional, hay otras torres que son importantes bienes culturales, como Tenbin-yagura, Taikomon-yagura y Nishinomaru-Sanju yagura; otros lugares históricos incluyen el Genkyu-en, un antiguo jardín de un señor feudal, que recrea el ambiente nostálgico de los días remotos.

La ciudad-castillo de Hikone todavía tiene una sensación de tiempos pasados, por ejemplo, las viejas casas de “ashigaru” (guerreros de clase baja) en el margen derecho del río Ashi, la calle Hana-Shobu (la calle de iris), junto con otras nuevas atracciones, como la reproducción de la calle del siglo 17, Yume Kyobashi, y la plaza Yonbancho , que están rodeadas por casas tradicionales y templos recrean la atmósfera de la era Taisho.

Luminarias de Kobe

2009-12-16T12:04:00.007+09:00

Tenía muchos deseos de visitar las luminarias de Kobe, así que me dirigí a la estación de Motomachi en la línea Hanshin para disfrutar y sacar fotografías.

Es un festival de la luz, celebrado en Kobe en diciembre de cada año desde 1995 y en conmemoración del gran terremoto de Hanshin de ese año. Las luces fueron donadas por el Gobierno italiano y la instalación en sí es producida por Valerio Festi y Hirokazu Imaoka. Las luces en miniatura se mantienen encendidas unas horas durante dos semanas todas las noches. Cada luz es pintada individualmente a mano.

Las principales calles de los alrededores están cerradas al tráfico de automóviles durante estas horas para permitir a los peatones caminar por las calles y disfrutar de las luces que son vistas por cerca de tres a cinco millones de personas. Este año me sorprendió ver instalados en los alrededores demasiados puestos de comidas y dulces típicos, más propio de otros matsuri o festivales.

Este evento magnífico comenzó once meses después del terremoto de Kobe en 1995, con la esperanza de dar mucho valor e inspirar a la gente de Kobe. Se convirtió en un evento anual que simboliza la esperanza de los ciudadanos de Kobe. El tema de este año fue "L'abbraccio della Luce (Abrazo de la Luz)."

Renge-ji

2009-12-16T00:03:00.006+09:00

En busca del momiji (V)

Visité el Renge-ji que está situado en la zona de Kami-Takano. El templo tiene las montañas de Kitayama detrás de él, y a la distancia se divisa el monte Hiei donde está el Enryaku-ji, el templo principal de la secta Tendai. Renge-ji, que pertenece a la secta, fue fundado en 1662 en la era Edo por Imaeda Chikayoshi, un antiguo vasallo del clan Maeda, de la Provincia de Kaga (actual Prefectura de Ishikawa).

Es un pequeño templo que muestra una tranquila elegancia. Dentro de la Sanmon, muchos arces se encuentran por todo el recinto, lo que crea la quietud y son muy bellos en la época del momiji. Cerca del Shoin (estudio) se extiende un jardín con un estanque en el que una piedra rara recrea el modelo de un barco que se llama Funaishi, o una nave de piedra. Es un excelente ejemplo de la época Edo (1603-1867) y fue diseñado por Jozan Ishikawa. Delante del Hondo, divisamos una única piedra en forma de linterna en el llamado estilo del Renge-ji. Se dice que muchos maestros de té en la era de Edo le tenían un gran cariño por su diseño peculiar.

El Hondo está construido bajo la influencia del estilo característico de la secta Obaku, que es una de las sectas zen. Como características notables se pueden ver, por ejemplo, un barril-piedra en la forma de un modelo de tambor japonés o detalles decorativos del techo hecho de un solo tablero de madera. En el techo había un dragón pintado por Kano Tanya, pero en la actualidad es una pintura restaurada por Nishimura Kocho. La imagen principal de este templo es la de Shaka Nyorai.

Las rocas y el musgo del jardín, junto con los árboles y arbustos individuales encontrados a un lado del edificio, se combinan para hacer de Renge-ji un lugar tranquilo, de gran simplicidad, donde abunda la paz y el equilibrio.

Hanatouro en Arashiyama

2009-12-14T11:39:00.004+09:00

Ayer visité el Hanatouro en una noche bastante agradable para caminar. El Kyoto Hanatouro es uno de los eventos modernos más populares a gran escala de la antigua capital. La ciudad de Kioto comenzó este evento en 2003 para promover el turismo en marzo, cuando los visitantes de Kyoto eran mucho menos de lo que la ciudad esperaba. “Hanatouro” o “Hanatoro” literalmente significa “camino de flores y de luz”. En este evento se colocan miles de farolillos a lo largo de rutas seleccionadas en Higashiyama de Sanjo a Gojo. Además, se muestran arreglos de flores en el parque Maruyama-koen y los templos y santuarios en estas fechas iluminan sus edificios y árboles.

En el entorno relajado del distrito de Arashiyama en el lado oeste de Kioto, también se celebra el Hanatouro en diciembre. La ruta de 5 kilómetros se llena con 2.600 lámparas elaboradas con los materiales (cerámica, cedro, piedra, bambú, etc.) y las tradiciones artesanales de Kyoto. En la caminata uno se puede encontrar en diversos lugares con exhibiciones de flores de enormes ikebana. La combinación de las luces de las linternas y los arreglos florales constituyen una grata y bella experiencia que todos los turistas japoneses y extranjeros disfrutan al máximo.

El área de Arashiyama en el oeste de Kyoto ha sido considerada desde el periodo Heian como un lugar de gran belleza y de desarrollo cultural y artístico. Las montañas como telón de fondo y las aguas que fluyen del río Oi, cruzado por el elegante Puente Togetsukyo, se combinan para crear uno de los espacios escénicos más bellos y famosos en Japón.

La rana de Demachiyanagi

2009-12-09T10:16:00.005+09:00

Caminando por las calles de Kyoto, en las proximidades de la estación Demachiyanagi, línea Keihan, me encontré una pequeña rana en la cerca del jardín de una casa. Mi sorpresa fue mayor al ver que se dejaba fotografiar tranquilamente por mi cámara compacta. Creo que se debía a que estaba presa del frío otoñal y tratando de calentarse con los pálidos y tenues rayos de sol de ese mediodía. Me recordó un cuento que leí en Kyoto Visitor's Guide y les dejo a todos los fanáticos ranófilos.

A través de los ojos de una Rana

Hace mucho, mucho tiempo vivía una rana en la capital, Kyoto. Un día, después de oír por casualidad que “Kyoto está en un lugar excelente y es una ciudad muy hermosa, pero la ciudad grande de Osaka es donde está toda la acción”, la rana de Kyoto decidió entonces ir de viaje a Osaka para ver por ella misma.

Había también una rana que vivía en Osaka. Un día, esta rana oyó en alguna parte que “aunque Osaka es grande y excitante, la capital de Kyoto es más elegante y se rumorea que es bonita”, entonces ella también se marchó para ver Kyoto. Entre las dos ciudades de Kyoto y Osaka había una montaña muy alta.

La rana de Kyoto subió a la montaña desde el Norte, y la rana de Osaka ascendió desde el Sur. Entonces, en la misma cima de la montaña, las dos ranas se golpearon accidentalmente a la derecha entre sí. Ambas se posaban en lo alto de sus patas traseras y se asomaban para ver las ciudades lejanas desde la cima.

Allí mismo, las dos ranas decidieron que “realmente no vale la pena y no hay necesidad de ir tan lejos, después de todo” y se devolvieron a casa por los mismos senderos por donde habían venido.

Esta historia, simplemente sirve para demostrar que desde el punto de vista superior o desde el mirador más alto, a través de los ojos de una rana todo lo visible aparece claramente.

Sanzen-in en Ohara

2009-12-08T15:50:00.004+09:00

En busca del momiji (IV)

Sanzen-in es un templo budista Tendai, ubicado en lo alto de las colinas al noreste de Kioto, en el área conocida como Ohara. Esta zona se encuentra al norte de la ciudad de Kioto, alrededor de una hora desde la estación de Kioto en autobús. Ohara todavía tiene un paisaje rural entre montañas, los campos consisten en pequeñas parcelas, los arrozales en terrazas, corrientes de agua suaves y árboles de cedro.

Dentro de este rico entorno natural existen varios templos, el principal de los cuales es Sanzen-in. Posee dos jardines con estanques del siglo XVII de gran belleza: el Shuheki-in (Jardín, que reúne el Verde), y el Yusei-in (Jardín de la pura Presencia). Situado originalmente entre los subtemplos de Enryakuji en las laderas del monte Hiei, en 1156 se trasladó a su actual ubicación cerca de la aldea de Ohara.

Se dice que fue fundado en el siglo X por Denkyo Saicho-Daishi (767-822), el sacerdote que introdujo el budismo Tendai en Japón, aunque lo más probable es que su fundador fue el sacerdote Eshin. Como un templo monzeki (se convirtió en un templo monzeki en 1130, cuando el segundo hijo del Emperador Horikawa se convirtió en el sumo sacerdote) cuenta con los miembros de la familia imperial entre sus abades.

Los dos pequeños jardines con estanques se encuentran en un marcado contraste estético. El Shuheki-in se encuentra al sur y al este de la sala de recepción. Como su nombre lo indica, cuenta con una pantalla densa de arbustos cuidadosamente podados y situados en forma diagonal que dirigen la vista hacia una pagoda de piedra situada en el ángulo sudoeste del jardín.

El Yusei-in es uno de los subtemplos a los que Sanzen-in se unió, aquí se encuentra una sala de Amida bien conservada, construida en el año 985 y reconstruida en 1148. La gran extensión de suelo cubierto de musgo, al este de la laguna de este jardín es famoso por sus cedros y arces rojos a finales de otoño. Un detalle curioso son las estatuas del bodhisattva Jizo, una característica inusual, ya que la escultura figurativa no es común en los jardines japoneses.

Jingo-ji en Takao

2009-12-06T12:43:00.005+09:00

En busca del momiji (III)

El tercer lugar que visité para admirar las hojas rojas de otoño fue Jingo-ji (El Templo de la Sagrada Protección). Es uno de los principales de la secta Shingon Koyasan. Este templo budista se dice que fue fundado en el año 781 como uno de los cinco templos en la zona de Atago con el nombre de Takaosan-ji. En el 824, Wake-no-Kiyomaro (733-799), un oficial de alto rango de la corte, trajo otro templo de la actual prefectura de Osaka y lo fusionó con el templo original. Llamó a este templo combinado Jingokokusoshingon-ji, que significa “el templo de Shingon para la protección divina del país”. Kukai (774-835), Kobo Daishi, el fundador de la secta Shingon en Japón, fue el abad, asignado como el sacerdote principal. El recinto fue decayendo gradualmente, hasta que fue restaurado en el siglo XVI por Toyotomi Hideyoshi y, luego, por la familia Tokugawa.

En el Salón principal se encuentra una estatua de pie de la divinidad budista Yakushi Nyorai (un Tesoro Nacional) y es uno de los muchos bienes culturales importantes en poder del templo. Numerosas estatuas, pinturas y escritos de los períodos Heian y Kamakura están aquí. También es un lugar muy popular para ver el hermoso follaje de otoño.

Una importante razón para el traslado de la capital de Nara a Kioto en 794, era alejarse del budismo en Nara que estaba entrometiéndose en la política. Kyoto fue creada como una ciudad sin templos dentro de sus muros. Los templos más cercanos, Toji y Saiji, estaban al oeste y el este, respectivamente, fuera de Rashomon, la puerta principal de la ciudad. Otros templos se crearon aún más lejos de los enredos mundanos, en las colinas que rodean a la ciudad: Enryakuji en el monte Hiei, Kuramadera en el monte Kurama, Daigoji en el monte Daigo y Jingoji en el monte Takao. En aquellos tiempos se demoraba medio día de viaje para llegar a ellos.

El templo de Saimyo-ji

2009-12-03T20:55:00.004+09:00

En busca del momiji (II)

En mi periplo en busca del momiji llegué a Takao, un área poco poblada, en la región montañosa de Kyoto, que se encuentra al norte del distrito de Arashiyama. Takao ofrece a los visitantes pintorescos paisajes naturales y es conocido en Japón como un sitio para ver las hojas de otoño. La mejor época para ver las hojas de color suele ser alrededor de mediados de noviembre.

En esta zona se encuentra Saimyo-ji, un templo que pertenece a la Escuela Daikakuji , de la secta Shingon. Fundado en 832 por Chise, alumno Kobo Daishi, el reverendo (el sumo sacerdote Kukai), fundador del budismo Shingon. También conocido como Byodoshinno-in está situado al noroeste de Kyoto sobre el río Kiyotaki.

La estructura actualmente en pie fue construida en 1700 para coincidir con la aceptación del budismo por Keishoin la madre de Tsunayoshi, quinto shogun del shogunato Tokugawa de la era Edo. El principal objeto de devoción en este templo cerca de Takao es una imagen de sólo 51cm. de alto de Shaka-Nyorai (Buda) tallada por Unkei en el estilo Seiryo-ji en el período Kamakura (1192-133). Es una propiedad cultural importante. El año 1047 está grabado en un lugar interior de la estatua. Saimyo-ji es un lugar favorito para ver las hojas rojas de otoño y lo visitan muchos turistas extranjeros y japoneses.

El templo de Kozan-ji

2009-12-01T17:53:00.003+09:00

En busca del Momiji (I)

En el mes de noviembre me dediqué a viajar por varios lugares para ver el follaje de otoño. En Kyoto es el mejor momento. Las colinas se ponen de color rojo y amarillo como en los jardines de los templos y en las zonas turísticas. Los japoneses han expresado su amor por la belleza de los colores del otoño desde tiempos remotos. A medida que avanzan los días de otoño, los rojos y amarillos atraen a los cientos de miles de amantes de la naturaleza de las montañas, templos, santuarios y otras áreas boscosas.

En este viaje, en busca del momiji, visité el templo de Kozan-ji. Según la tradición fue fundado en el año 774 por orden del emperador Konin (709-782), en ese momento recibió el nombre de "Shingan-ji Togaobo". Se dice que su nombre fue cambiado a Kozan-ji después de que el templo fue restaurado, en 1206 por el sacerdote Myoe (1173-1232), como una sala de capacitación para la reactivación del budismo de la escuela Kegon por el orden del retirado emperador Gotoba (1180-1239 ).

Los tesoros del templo también incluyen el "Chojujinbutsu-giga", a veces descrito como la primera historieta o el origen de los cómics en Japón. Son rollos de pinturas que constan de 4 volúmenes realizados en el período Kamakura con dibujos de animales antropomorfizados como monos, conejos, aves y ranas. Estos dibujos en que los animales se dedican a actividades mundanas, satirizan las debilidades humanas. De los cuatro, el primer volumen es el más famoso. El conjunto que se muestra en Kozan-ji es una réplica, los originales se guardan en el Museo Nacional de Tokio en Ueno.

En 1994, Kozan-ji fue registrado por parte de la Unesco como Patrimonio Cultural de la Humanidad.

Lévis-Strauss y la dama japonesa

2009-11-18T16:17:00.006+09:00

En el libro Mirar, escuchar, leer, de Claude Lévis-Strauss, aparece una anécdota, referida a una dama japonesa. Enmarcada en la reflexión sobre la cestería, copio unos breves párrafos...

"Al igual que las cestas ya inservibles, los cadáveres son restos a los que su alma o sus almas (o en el caso de los cestos, su espíritu) rechazan dejar. En América, por lo demás, existe para las cestas un equivalente, o casi, de la inhumación: cuando muere el espíritu de la cesta, dicen los pomo, permanece en tierra durante cuatro días y sólo después sube al cielo.

Hay creencias japonesas completamente opuestas. Los utensilios abandonados se transforman también en espíritus sobrenaturales, pero es conveniente quemar esas cosas viejas o, en cualquier caso, librarse de las mismas. Un viajero que se había refugiado en un templo abandonado asistió durante la noche a la danza de un viejo barnero, un cuadrado de tela (furoshiki, sirve para transportar los paquetes), y un viejo tambor. “Eso es lo que pasa cuando nos olvidamos de tirar las cosas viejas”. Entre el ayer y el hoy, entre el hoy y el mañana, hay que trazar una frontera como hizo esa dama japonesa de la que me hablaron (aunque el caso, probablemente, no es excepcional), quien lavaba su ropa todos los días por temor –en el caso de morir súbitamente– a dejar tras ella alguna ropa sucia.

Siempre nos vemos ante el siguiente dilema: romper con el pasado, aún reciente, o conservar –¿pero hasta cuándo?– nuestros viejos trajes, las cosas viejas que ocuparon un lugar en nuestra existencia y que son para nosotros como amigos difuntos. Dice Baudelaire:

¡Oh, mis botas! Entrad dentro de ese armario

Que va a serviros de ataúd.".

Claude Lévi-Strauss. Mirar, Escuchar, Leer, Ariel. Págs. 176-177.

El santuario de Kibune iluminado

2009-11-17T16:16:00.003+09:00

Cada otoño, cuando la antigua capital de Kyoto brilla con las hojas de arce rojas, varios santuarios y templos iluminan sus hermosos jardines. Para ver las hojas de arce y el espectáculo de las linternas encendidas visité el domingo el santuario de Kibune (también llamado Kifune) que se encuentra en Kibune una pequeña aldea en la zona montañosa del norte de Kyoto. El clima fresco de las montañas siempre ha hecho que esta área sea un destino turístico muy popular en el tórrido verano japonés. El santuario es muy antiguo tiene más de 1.600 años y es anterior a la fundación de la ciudad de Kyoto.

La escalera de piedra revestida con distintivos farolillos rojos a la entrada de la capilla es una de sus características más famosas. Kibune es en realidad un complejo de tres templos, cada uno de los cuales tiene su propio atractivo. El que está más abajo y el más accesible es el más popular para los visitantes, mientras que la pequeña capilla central se caracteriza por su ubicación en un impresionante bosque de cedros antiguos. El santuario de la parte superior es el más antiguo y comprende el Santuario original Kibune.

Este santuario está dedicado a Takaokami-no-kami, el dios de la lluvia y el agua. En los textos históricos de Japón se describen cómo las personas han rezado por la lluvia en el santuario de Kibune desde a mediados del siglo 8. Si se deseaba la lluvia, el emisario imperial traía un caballo negro -el color negro es símbolo de un cielo nublado. Por el contrario, en el caso de exceso de lluvia, un caballo blanco, que simboliza la luz del sol brillante, se ofrecía.

El santuario también se hizo famoso como un lugar para orar por la fortuna en el romance y en el matrimonio, ya que la poetisa de la era Heian, Izumi Shikibu, tenía fama de haber orado allí para recuperar el amor de su marido.

Un antiguo mito dice que una diosa había llegado a Kibune en un barco en busca de una fuente de agua. El Santuario fue construido en el mismo lugar en donde se encontró un manantial abundante. Hoy en día, todavía se pueden ver las piedras que cubren el bote de la diosa en el santuario. El agua que brota en Kibune se llama Goshinsui (Agua sagrada) y ha sido apreciada desde la antigüedad por los poetas, maestros de ceremonia del té, o aquellos que buscan una buena salud.

Acuario de Osaka (III): océano Pacífico

2009-11-13T09:58:00.006+09:00

Un acuario espectacular es el del Oceáno Pacífico, tiene una superficie de 620 metros cuadrados con una cantidad de agua de 5.400 toneladas. Este enorme acuario de 9 metros de profundidad y 34 metros de fondo reproduce el océano Pacífico, que se halla rodeado por el cinturón de Fuego. Nadan a una temperatura de 23 a 24 grados Celsius, ejemplares de Tiburón ballena, mantarrayas, atún de aleta azul, etc.

Acuario de Osaka (II): Medusas

2009-11-12T21:40:00.002+09:00

Entre los acuarios de exhibición está la Sala de las medusas flotantes. En una superficie de 289 metros cuadrados y una cantidad de agua de 12 toneladas se encuentran 12 acuarios. En ellos se exhiben 600 ejemplares de 12 variedades de medusas, principalmente las que habitan en las costas de Japón. Se han hecho esfuerzos para reproducir el flujo del agua, la iluminación y el sonido con el fin de permitir a los espectadores experimentar una atmósfera fantástica. Entre los ejemplares se pueden ver la medusa común, la medusa chrysaora, la familia de la medusa nekuchi, etc.

El Acuario de Osaka Kaiyukan (I)

2009-11-11T20:32:00.004+09:00

Hace varias semanas fuimos con mi amiga Lidia a practicar con nuestras cámaras fotográficas. La meta era fotografiar los peces del acuario de Osaka. No fue una tarea simple y a pesar de los consejos de Xatakafoto, un blog buenísimo, muchas veces quedamos decepcionados del resultado, pero tuvimos algunos aciertos.

El Acuario de Osaka Kaiyukan fue inaugurado el 20 de julio de 1990. Es un acuario urbano bajo techo, considerado como uno de los más grandes del mundo, con un volumen total de 11.000 toneladas de agua.

Kaiyukan toma como base los temas de la zona volcánica del Pacífico, conocida como el Cinturón de Fuego, que engloba al océano Pacífico y la zona de la vida del Pacífico, o el Cinturón de la Vida, que se fundamenta en la hipótesis de Gaia: “Todas las criaturas que existen en la Tierra, que posee actividad volcánica, son un solo ser que actúa de manera recíproca”. Mediante 14 acuarios de gran tamaño se reproduce el medio ambiente natural de 10 regiones que circundan el océano Pacífico.

El recorido de Kaiyukan se inicia en “Aqua gate; El túnel rodeado de peces”, un acuario en forma de túnel, continúa por el “Bosque de Japón”, a través del cual se filtran los rayos del sol, y pasa al acuario principal del “océano Pacífico” con una capacidad de 5.400 toneladas de agua, donde se puede apreciar el “tiburón ballena”, el pez más grande del mundo.

Esta ruta se inicia en la superficie hasta llegar al lecho del mar, avanzando en sentido descendente, rodeando dos veces la cuenca del océano Pacífico. La distribución de los acuarios en Kaiyukan reproduce de la manera más fiel posible la relación geográfica que existe en la realidad. También se puede disfrutar de la “Sala de las medusas flotantes”, en la que se pueden apreciar diversos tipos de medusas, la “Galería de Kaiyukan” y la “Sala de Exposiciones Programadas”, donde se llevan a cabo diversas exposiciones especiales.

En Kaiyukan no sólo se exhiben peces, sino que también anfibios, reptiles, aves, y mamíferos, así como animales invertebrados y vegetales. En total se exponen unos 30.000 ejemplares de 580 especies de seres vivos, reproduciendo la naturaleza de la cuenca del océano Pacífico.

El monte Fuji (II)

2009-11-11T08:16:00.006+09:00

Algunas fotografías y datos del Fuji.

El Monte Fuji: Hechos y Cifras

Altura: 3.776 metros. Con toda precisión la altitud es de 3.775,63 metros, según las mediciones de 1962 efectuadas por el gubernamental Instituto de Estudios Geográficos. Sin embargo, las investigaciones para una precisión definitiva dan unos resultados algo diferentes, dependiendo del método de medición. En 1997 la Facultad de Ciencias de la Universidad de Shizuoka empleó la última tecnología y determinó una altitud de 3.776,224 metros.

Cráter de la cima: unos 800 metros de diámetro y 200 metros de profundidad.

Volumen: 1.397 Km. cúbicos.

Diámetro de la base: unos 39 Km. este-oeste y 38 Km. norte-sur.

Precipitaciones: Unos 2,2 miles de millones de toneladas de lluvia y nieve caen en la montaña todos los años. Eso equivale al agua contenida en 11.000 barcos petroleros gigantescos, cada uno de ellos con una capacidad de 200.000 toneladas.

Volumen de agua de los manantiales de montaña: Todos los días fluyen unas 1,5 millones de toneladas de agua procedente de los manantiales hacia los tres sistemas de drenaje más importantes: el río Kakita, el estanque Wakutama Ike y los ocho estanques de Oshino Hakkai. Si incluyéramos los otros sistemas de drenaje del monte Fuji, el tonelaje sería mayor.

Cifra anual de personas que ascienden al monte: Unas 300.000 (todas durante la temporada de ascenso de julio y agosto). Lo cual significa un promedio de unas 5.000 al día. Oficialmente la subida a los lugares altos está prohibida durante los otros 10 meses del año.

Punto panorámico más lejano que se ve desde el monte Fuji: El monte Myoho en Nachi-Katsuura-cho, prefectura de Wakayama, a una distancia de 322,6 Km.

Cifra de familias con el apellido Fuji: 362 (ocupa el número 6,479 entre los apellidos más comunes de Japón). Cifra de familias con el apellido Fujiyama: 17 (ocupa el lugar número 39,549 entre los apellidos más comunes de Japón. Nótese que el nombre japonés de la montaña es “Fuji-san,” no “Fujiyama”) Fujio es un nombre bastante habitual de hombre, y Fujiko de mujer.

Estos datos han sido tomados de:

Fuji-san Tembo Hyakka, publicado por Jitsugyo no Nihon Sha, Ltd.

Fuji-san Hakken Nyumon, publicado por Kobunsha Co., Ltd.

Fuente: NIPPONIA No.35 15 de Diciembre, 2005

El monte Fuji (I)

2009-11-10T21:52:00.005+09:00

He vuelto… a subir por segunda vez el monte sagrado de Japón. Junto a mi amigo Kuniyoshi ascendimos el Fuji-san en la segunda semana de agosto, en pleno verano. La aventura se inició en Shinjuku, Tokio, donde partían los buses que nos dejaban en la quinta estación. Desde ahí, tendríamos que comenzar el ascenso a las diez y media de la noche, para tratar de llegar a la cima aproximadamente a las cuatro de la madrugada, hora en que sale el sol. Fue una experiencia inolvidable y plena de anécdotas. Recordé un capítulo del libro de Lafcadio Hearn, del cual transcribo un fragmento:

“4. FUJI-NO-YAMA

Kite miréba,

Sahodo madé nashi,

Fuji no Yama!

[Visto de cerca, el monte Fuji no está

a la altura de nuestras expectativas.]

FILOSOFÍA PROVERBIAL JAPONESA

La vista más bella del Japón, y sin duda una de las más bellas del mundo, es la aparición lejana del Fuji en los días despejados, sobre todo en los días de primavera y otoño, cuando la mayor parte de la cumbre está cubierta por nieves tardías o muy tempranas. Rara vez puede distinguirse la base sin nieve, que conserva el mismo color que el cielo: sólo percibes el cono blanco que parece colgar del cielo; y la comparación japonesa de su forma con la de un abanico invertido y a medio abrir adquiere una precisión extraordinaria merced a las finas vetas que se extienden hacia abajo desde la hendida cumbre, como sombras de las varillas de un abanico. La visión parece incluso más frágil que un abanico; es más bien el espectro o sueño de un abanico; sin embargo, la realidad material que se alza a cien millas de distancia es grandiosa entre las montañas de la tierra.

Con una altura de casi 12.500 pies, el Fuji es visible desde trece provincias del Imperio. Sin embargo, está entre las montañas altas más fáciles de subir y durante mil años ha sido escalada cada verano por multitud de peregrinos. Pues no es sólo una montaña sagrada: es la montaña más sagrada del Japón, la más santa eminencia de una tierra llamada divina, el Altar Supremo del Sol; y subirlo por lo menos una vez en la vida es una obligación de cuantos veneran a los antiguos dioses. De modo que, cada año, desde todos los distritos del Imperio, los peregrinos emprenden el camino del Fuji; y en casi todas las provincias hay cofradías de peregrinos -Fuji-Kó- organizadas con el fin de ayudar a quienes desean visitar la cumbre sagrada. Si bien no todo el mundo puede llevar a cabo en persona este acto de fe, sí puede hacerlo al menos mediante un representante. Cualquier aldea, por remota que sea, puede ocasionalmente mandar a un representante para que rece ante la divinidad del Fuji, y salude al Sol naciente desde esa sublime eminencia. Así, una sola cofradía de peregrinos puede estar compuesta por hombres de cien poblados distintos”.

Fuente: Hearn Lafcadio, En el país de los dioses. Relatos de viaje por el Japón Meiji, 1890-1904. El Acantilado, Barcelona, 2002. 325 págs.

Fotografías en el río Kamo

2009-03-22T09:52:00.004+09:00

La semana pasada, con mi amiga Lidia, decidimos hacer una sesión de fotografías por el río Kamo en Kyoto. Así que tomamos nuestras cámaras Canon 450D y nos fuimos caminando por la orilla desde Demachiyanagi hasta Sanjo. El tema que nos propusimos fotografiar era flores y aves. Fue un día con mucho viento y frío y lamentablemente no habían muchas flores, pero les dejo algunas instantáneas.

La ventana de Tanizaki

2009-03-21T12:10:00.002+09:00

Visité esta semana el Museo de literatura en Memoria de Junichiro Tanizaki en Ashiya, pequeña ciudad entre Osaka y Kobe. En la visita me llamó la atención una ventana con vidrio y papel japonés. Me recordó un pasaje de El elogio de la sombra, uno de los famosos ensayos de Tanizaki. Les dejo las fotos de la ventana y transcribo el párrafo de la edición de Siruela, donde el autor se queja de la mala elección al tratar de combinar la modernidad con la tradición.
“Yo, que personalmente derroché el año pasado una fortuna muy poco compatible con mi situación en la construcción de una casa, he tenido una experiencia similar; como me empeñé en ocuparme de todos los detalles, desde los tabiques móviles hasta el último accesorio, tropecé con muchas dificultades. Los shōji, por ejemplo: apelando al buen gusto, no quise ponerles cristales y decidí utilizar solamente papel; pero entonces tuve problemas con la iluminación y además cerraban mal. Desesperado, se me ocurrió ponerles por dentro papel y por fuera cristal. Para ello tuve que poner marcos dobles a ambos lados y el gasto aumentó proporcionalmente; cuando por fin estuvieron colocados descubrí que, vistos desde fuera, no eran más que vulgares puertas de cristal y que vistos desde dentro, por culpa del cristal que había tras el papel, ya no tenían el ahuecado y la suavidad de los auténticos shōji; en una palabra, el efecto era bastante desagradable. Te dices entonces que hubiera sido mejor haber puesto unas sencillas puertas de cristal y acabas mordiéndote los puños; de otro nos reiríamos pero tratándose de uno mismo no es fácil admitir el propio error hasta que no se ha intentado todo”. (págs. 11-12)
Shōji: Tabique móvil formado por una armadura de listones de cuadrículas apretadas, sobre la que se pega un papel blanco espeso que deja pasar la luz, pero no la vista. Los shōji eran hasta hace poco el único cerramiento de la casa japonesa. Por la noche, les añaden otros tabiques (amado), también corredizos. Hoy en día, los shōji suelen estar precedidos, o incluso sustituidos por puertas acristaladas.

Fuente: Junichiro Tanizaki. El elogio de la sombra, Siruela, Madrid, 1995. 95 págs.

Arte chino contemporáneo en Japón

2009-03-10T10:47:00.000+09:00

Con mi amiga Kimie fuimos la semana pasada al Museo Nacional de Arte en Osaka a mirar la exposición “Avant-Garde China”, 20 Years Chinese Contemporary Art.

Se considera que el arte chino contemporáneo habría empezado en 1979 cuando el Grupo de juego las Estrellas (Xingxing) de Beijing impulsó el movimiento para exigir libertad de expresión. La Revolución Cultural finalmente había ejecutado su política y el país estaba surgiendo en ultramar de su aislamiento cultural con la introducción gradual de nuevas tendencias del arte.

En los años siguientes, el arte chino contemporáneo reflejó directamente el impacto de eventos políticos como los de la Plaza de Tiananmen de 1989 y el rápido crecimiento económico que acompañó la transición a una economía de mercado.

El título de la exhibición, “China los Vanguardista”, un término que puede ser anticuado en los países Occidentales y en Japón, pero que en China ha asumido el nuevo y dinámico significado en el contexto del arte de hoy. Con la Revolución Cultural detrás y por delante de ellos la nueva corriente de la política del país de “apertura y reforma”, los artistas chinos alojaron en un súbito descenso, el espectro entero del arte moderno del siglo XX, desde Marcel Duchamp a Robert Rauschenberg todo a la manera de Jeff' Koons. Y en un periodo muy corto de tiempo, todos ellos habían abierto el camino a un nuevo mundo entero de expresión propia. La evolución extraordinaria del arte chino contemporáneo, diferente a lo visto en cualquier otra parte en el mundo, con su lanzamiento de experimentalismo radical y crítica, es el producto de esta historia dramática.

La exhibición muestra los trabajos de artistas principales de las distintas etapas del arte chino contemporáneo que abarca dos décadas, desde sus principios alrededor a mediados de 1980, a través de las actividades del grupo radical conocido como el “Movimiento de la Nueva Ola 85” y “El Estallido Político” -con sus tratamientos satíricos del capitalismo- a el “Realismo Cínico” de la generación actual que sufrió la derrota y el retroceso del movimiento de democratización. Esta exhibición ha permitido conocer el linaje y desarrollo del arte chino contemporáneo y ha ofrecido una oportunidad única de aprender y comprender más sobre la historia de artistas y trabajos que están logrando la atención mundial.

Ihara Saikaku en un shotengai

2009-03-05T21:31:00.002+09:00

Caminando por uno de los pasillos de un shotengai en Osaka entre Yodoyabashi y Umeda me encontré con una librería de libros usados. Entre los anaqueles de viejos y nuevos libros japoneses, en el sector de revistas, estaba escondida, esperando agazapada, “la joyita”. Un monográfico de Ihara Saikaku, con toda la vida de él e ilustrado con bellas imágenes.
Reescribo algo de lo que afirmé cuando en Argentina se publicó su libro El gran espejo del amor entre hombres, (Nanshoku okagami).
Son cuarenta historias de amor desgraciado que se entrelazan entre sí, con un tono emotivo y sensual. Los primeros veinte relatos tratan del amor romántico entre los samurái con una visión nostálgica e idealizada, se describen estas relaciones como un verdadero matrimonio -un notable vínculo kármico- con intercambio de promesas de fidelidad y lealtad puestas por escrito; destacan las referencias a la incertidumbre y a la casualidad del destino de los amantes: la máxima prueba de amor de una relación entre samurái era el seppuku, un complejo ritual de suicidio. Los veinte capítulos de la segunda parte recrean el ambiente del wakashu kabuki en el que los jóvenes actores -y a veces no tanto- se prostituían; el distrito teatral era el lugar permitido para que los hombres buscaran placer, todos los actores que nombra Saikaku existieron y fueron famosos en su época: por ejemplo, Tamamura Shuzen que cuando interpretaba papeles de mujer, volvía locos a los hombres de deseo y era sumamente talentoso en los modos del amor por los muchachos.
Estas historias confirman un mercado literario, un público lector: los comerciantes y la burguesía necesitaban recrearse en lecturas en que reconocían a personajes del entorno. Saikaku, que nació en Osaka (1642-1693) -su tumba cerca de Uehommachi siempre tiene flores- y fue un activo participante y testigo de las diversiones en los barrios de placer -Kioto, Osaka y Edo- , se transforma, así, en el cronista de los acontecimientos de su época. Ficcionaliza los eventos con sutiles referencias a la vida, pero con una ironía y humor que desenmascara conductas estereotipadas de un mundo de convenciones. No es casual esta actitud, ya que en los ambientes prostibularios o en los teatros populares era común mofarse de las reglas rígidas y de las costumbres de la corte o de leyes restrictivas respecto a la moral. Es un espejo en el sentido de mostrar o reflejar una época desde su propia perspectiva: "He intentado reflejar en este 'gran espejo' (tiene una delicada connotación erótica) todas las variadas manifestaciones del amor entre hombres". También afirma: "El amor por los muchachos es algo profundo,... apunté todo lo que había visto, oído, sentido o aprendido sobre los extraordinarios placeres del amor entre hombres en mis 42 años de viajes por estas tierras".
Fuente: El gran espejo del amor entre hombres. Ihara Saikaku. Interzona editora, Buenos Aires, 2003, 349 páginas.

GeGeGe no Kitarō en sellos

2009-02-23T19:13:00.003+09:00

El correo japonés lanzó hoy oficialmente una serie de sellos de GeGeGe no Kitarō (Kitaro el del cementerio). Son diez sellos a un valor de ochenta yenes cada uno. Originalmente el manga se llamaba Hakaba no Kitaro y fue creado en 1959 por Shigeru Mizuki. Cuenta la historia de Kitaro, el último sobreviviente de la tribu de los fantasmas, quien defiende a los humanos de los yōkai, que son apariciones, espíritus monstruosos y demonios japoneses. Fue adaptado al anime en enero del 2008, aunque ya existía una versión en blanco y negro del año 1968.

Japón en 2666

2009-02-16T11:27:00.003+09:00

Mi amigo James me ha escrito estas líneas: “No sé si te has puesto a leer el mamotreto póstumo de Bolaño, pero es una obra de genio, a la altura de Moby Dick. Si no has empezado, te recomiendo que comiences leyéndote la segunda parte (la de Amalfitano) que seguro te llegará a lo más profundo del alma”. Así que en eso estoy, obedeciendo a mi amigo, aunque ya antes había leído partes de 2666, pues no estaba con ánimo ni ganas de leer y me molestaba la fiebre bolañitis, que se había desatado. En todo caso, lo que me interesa mostrar son los siguientes párrafos, pues hacen referencia a Japón:

“Aquella noche, mientras Liz Norton dormía, Pelletier recordó una tarde ya lejana en la que Espinoza y él vieron una película de terror en una habitación de un hotel alemán.
La película era japonesa y en una de las primeras escenas aparecían dos adolescentes. Una de ellas contaba una historia. La historia trataba de un niño que estaba pasando sus vacaciones en Kobe y que quería salir a la calle a jugar con sus amigos, justo a la hora en que daban por la tele su programa favorito. Así que el niño ponía una cinta de vídeo y lo dejaba listo para grabar el programa y luego salía a la calle. El problema entonces consistía en que el niño era de Tokio y en Tokio su programa se emitía en el canal 34, mientras que en Kobe el canal 34 estaba vacío, es decir era un canal en donde no se veía nada, sólo niebla televisiva.
Y cuando el niño, al volver de la calle, se sentaba delante del televisor y ponía el vídeo, en vez de su programa favorito veía a una mujer con la cara blanca que le decía que iba a morir.
Y nada más.
Y entonces llamaban por teléfono y el niño contestaba y oía la voz de la misma mujer que le preguntaba si acaso creía que aquello era una broma. Una semana después encontraban el cuerpo del niño en el jardín, muerto”. (págs. 48-49)

Roberto Bolaño. 2666, Anagrama, Barcelona, Primera edición en Compactos, 2008. 1125 págs.

Japón en el "Tañido de una flauta"

2009-02-13T12:33:00.003+09:00

Releyendo El tañido de una flauta, de Sergio Pitol, me encuentro con estas líneas acerca de Japón:
“[...] La charla se desliza hacia las anécdotas del Festival y vuelve otra vez a rememorar el programa del día, la funesta proyección de Oscuro amor, y la de El tañido de una flauta, que con tanta violencia lo había perturbado.
-El tema debe ser recurrente en el Japón: la caída, la voluntad de desastre, la realización consciente del fracaso. No un simple rechazo a los bienes de consumo, ni una negativa de incorporación social. No se trata de marginarse sino de algo distinto, fracasar, desintegrarse realmente -comenta Morales-. Hace varios años leí una novela de Dazai, Osamu Dazai. No me extrañaría que el director se hubiera inspirado en uno de sus libros. Insiste en las mismas situaciones”.

Sergio Pitol. El tañido de una flauta, Editorial Anagrama, Barcelona, 1986. 217 págs.

Gregorio Samsa en Hirakata

2009-02-07T23:03:00.004+09:00

El miércoles pasado caminando hacia la estación de Hirakata, de improviso y sin previo aviso, se cruzó en mi camino un monstruoso insecto. Al principio pensé que era una cucaracha, pero me sorprendió que no huyera rauda y veloz. Estaba quieta y tranquila, lo que me permitió sacarle unas fotos con mi cámara compacta. Lo único que lamento es que no llevaba en ese momento mi lente macro para fotografiarla con más detalles. Este especimen que me recordó la Metamorfosis de Kafka siguió su camino muy tranquilo, indiferente a la pisada de algún transeúnte distraído que la hiciera pasar a mejor vida.
Ahora espero que mis amigos japoneses me confirmen qué tipo de insecto es.

Setsubun en Rozanji

2009-02-06T20:31:00.005+09:00

En mi día de setsubun, también visité el templo de Rozanji que se encuentra situado entre las estaciones de Demachiyanagi y Marutamachi en Kyoto. Bajo una persistente lluvia y con un frío que calaba hasta los huesos cientos de japoneses y turistas extranjeros observaron como los onis realizaban su ritual típico. Lo curioso es que en este templo los monjes lanzaban al público mochi y no frijoles.
El Templo de Rozanji es conocido por haber sido la residencia de Murasaki Shikibu, autora de Genji Monogatari.

"Oni wa soto, fuku wa uchi"

2009-02-05T18:21:00.006+09:00

Día del Setsubun (Setsubun no hi)Fui a la fiesta de Setsubun en el templo de Naritasan Fudoson, en Korien, Osaka. Setsubun es un evento tradicional celebrado el 3 de febrero a lo largo de todo Japón. En el antiguo calendario japonés, el primer día de cada estación (primavera, verano, otoño e invierno) eran llamados “risshun”, “rikka”, “risshuu” y “ritto”, respectivamente, y el día antes del primer día de cada estación se llamaba “Setsubun”. Gradualmente la palabra setsubun cambió su sentido y llegó a significar sólo el día anterior al paso del invierno a la primavera
En el día de setsubun las personas realizan una ceremonia llamada Mame-maki (tirar el frijol) en los templos, santuarios y en las casas con el fin de expulsar a los demonios (el símbolo del infortunio) y atraer o seducir a la fortuna y la felicidad. La tradición es tirar judías tostadas al tiempo que se grita: “¡Oni wa soto, fuku wa uchi!” (“Fuera los demonios, que entre la buena suerte”). En algunos de los santuarios y templos más importantes se invita a personajes famosos de los medios de comunicación, principalmente estrellas de televisión, atletas o deportistas destacados y a políticos para hacer el mame-maki, con el consiguiente regocijo de la multitud. Pero los expertos son los niños, quienes tiran los frijoles a los oni.

!Sakana! en Nanba

2009-01-30T11:02:00.005+09:00

¡Sakana! ¡Sakana! escuché gritar a unos niños en la estación de Nanba en Osaka. Y claro cerca de la salida 1, al lado de las máquinas recolectoras de los boletos, están ubicados dos acuarios de tamaño mediano. Son dos estanques con varios peces de colores. Así que no es raro escuchar los gritos de sorpresa de los niños ¡Pescados! ¡pescados!. Debemos reconocer que es una vista que recrea y alegra o relaja después de un viaje a lo mejor agotados por la jornada laboral. Este detalle de poner algo que recree la vista está presente en casi todas las estaciones de trenes en Kansai. Les dejo unas fotos de muestra.

El estanque doko desu ka?

2009-01-14T23:00:00.004+09:00

El estanque de Bashō (II)
En la investigación acerca del estanque del famoso haiku de Bashō, Aurelio Asiain me envió un email con datos que confirmarían la teoría de que el susodicho estanque está en Tokio:

“Van copias de las páginas correspondientes de Basho and His Interpreters: Selected Hokku with Commentary de Makoto Ueda, que recopila lo que los comentaristas japoneses han escrito sobre Bashō y donde se dice que ese haiku lo hizo Bashō "at his riverside hut in the north of Edo".
http://www.librarything.com/work/81658
http://en.wikipedia.org/wiki/Makoto_Ueda_(poetry_critic)”.

Me interesa en esta nota reproducir un texto, que confirmaría dicha ubicación, recogido en el extraordinario libro de Carlos Rubio, publicado por Cátedra.

“CAPITULO 8
Matsuo Bashō: poesía para todos

1. LA RANA DE BASHŌ

Furuike ya/ kawazu tobikomu/ mizu no oto.

Compuesto en 1686, este poema probablemente sea la pieza más conocida de la literatura japonesa en Occidente. Se le considera arquetipo del haiku o jaiku, «la poesía de la intuición», como la llama R. H. Blyth, su gran intérprete en Occidente, (...)

Por hallarnos ante uno de los poemas más característicos de Bashō, y porque sin duda ayudará a entender la génesis de su arte y el ambiente que rodeaba a su autor, vamos a recordar las circunstancias en que se compuso, tal como nos han sido relatadas por Kagami Shikō, uno de sus discípulos:

Se dice que Butchō, maestro zen de Bashō, de camino hacia el templo de Chōkeiji de Fukugawa, cerca de Edo, fue a visitar un día al poeta en compañía de Rokusō Gohei. Este último, al entrar en la ermita de Bashō, exclamó:
-¿Cuál es el camino de la Ley de Buda en este jardín tranquilo, con sus árboles y hierbas? Bashō respondió:
-Las grandes hojas son grandes, las pequeñas son pequeñas. Butchō, que entraba entonces, dijo: -Últimamente, ¿a qué lugar has llegado?
Bashō contestó así:
-Pasada ya la lluvia, el musgo verde está en su frescor. Butchō volvió a preguntar:
-¿Cuál es la Ley de Buda, antes de que el musgo verde brotara? En este momento, oyendo el sonido de una rana que saltaba hacia el agua, Bashō exclamó:
-Al saltar una rana, ruido de agua (Kawazu tobikomu, mizu no oto).
Butchō se admiró de esta respuesta, considerándola como una prueba del estado de iluminación de Bashō. Entonces Sanpū (discípulo de Bashō) felicitó respetuosamente a su maestro por haber compuesto este verso, reconocido por Butchō, que añadía al arte, la gloria de la religión. Ransetsu (otro discípulo de Bashō, también presente) dijo:
-Esta frase del sonido del agua puede decirse que representa plenamente el significado del haiku; con todo, falta la primera parte del verso. Por favor, completadlo.
Bashō respondió:
-También yo he estado pensando sobre ello, pero me gustaría oír vuestras opiniones primero, y después decidiré.
Varios de sus discípulos lo intentaron, Sanpū sugirió para el primer verso (cinco sílabas): -Yoiyami ya (Tinieblas de crepúsculo)... Ransetsu: -Sabishisa ni (En la soledad)... Y Kikaku: -Yamabuki ya (La amarilla rosa de la montaña)...
Bashō, considerando todo esto, dijo:
-Todos y cada uno de vosotros habéis expresado en vuestro primer verso un aspecto del asunto, y habéis compuesto un verso que sobrepasa lo ordinario. Especialmente el de Kikaku es brillante y enérgico. Sin embargo, apartándome del estilo convencional, voy a componerlo así esta tarde:
-Furuike ya, kawazu tobikomu, mizu no oto (El viejo estanque. Al saltar una rana, ruido del agua).
A todos sobrecogió una profunda admiración. En estos versos, el ojo del haiku se abre plenamente. Mueve al cielo y a la tierra y a todos los dioses y demonios que los habitan a la admiración. Este es en realidad el camino de Shikishima, igual a la creación de un Buda. El Dharani de Hitomaru, la alabanza de Saigyō ante la llegada de Buda, están contenidos en estas diecisiete sílabas (3)”.

(3) Recogido por F. Rodríguez-Izquierdo en El haiku..., ob. cit., págs. 78-79, cuyo relato seguimos. También en D. Keene, World..., ob. cit., págs. 88-89.

Nota: Este texto corresponde a las páginas 531-533, del libro de Carlos Rubio; Claves y textos de la literatura japonesa. Una introducción. Ediciones Cátedra, Madrid, 2007. 715 págs.

Afiches de año nuevo en Hirakata

2009-01-12T21:06:00.004+09:00

Las fiestas de fin de año en Japón, las celebraciones más importantes y familiares, se prolongan durante los cuatro o cinco primeros días de enero (shogatsu). En estos días cierran casi todos los negocio, generalmente del 1 al 5 de enero, pero en todos los locales colocan unos afiches o poster muy llamativos con un mensaje deseando feliz año nuevo. Principalmente encabezados por cuatro kanjis 謹賀新年 kigashinnen (Mis más sinceras felicitaciones por el año nuevo) y con frases que agradecen a los clientes por comprar o consumir o por la preferencia del respectivo negocio. Además, se les avisa desde y hasta cuando estará cerrado el local. La diferencia en los diseños o motivos tiene que ver con el producto o el tipo de tienda, por ejemplo, comida, ropa, electrónicos, o restaurantes, etc.
Caminando desde mi departamento hasta la estación de Hirakata fui fotografiando los afiches, que eran muy variados y coloridos, aquí va una muestra:

¿Dónde está el estanque de Basho?

2009-01-09T12:24:00.004+09:00

Caminando con Aurelio Asiain por Shijo, en Kyoto, le comenté que había visitado en Otsu el estanque, en el templo Iwamadera, donde Matsuo Basho había compuesto su famoso haiku de la rana que se zambulle en el agua. Me miró incrédulo y me dijo que era imposible, pues ese estanque está en Tokio. Así que me puse a investigar y a consultar a amigos japoneses y españoles expertos en cultura nipona. La sorpresa es grande, pues la controversia es un tema candente, incluso para las empresas turísticas. Mi amigo Hiroshi dice que es un tema clásico: ¿Dónde está la laguna antigua o el estanque? Para él no hay una respuesta definitiva a esta pregunta. Hay muchas opiniones encontradas e investigaciones históricas. Según él no hay ningún lugar concreto, sino imaginario en el pensamiento del maestro Basho. Hay razones bastantes confiables. Por ejemplo, mucho antes de que Basho compusiera este famoso Haiku, un discípulo que se llamaba Kikaku escribió un Haiku que dice: “YAMABUKI YA KAWAZU TOBIKOMU MIZU NO OTO” (YAMABUKI es un arbusto que lleva flores amarillas y tiene un significado particular en el mundo del Haiku) al mismo Kikaku no le gustó esta pieza. Sin embargo, su maestro Basho le pidió permiso para revisarlo y publicarlo en su nombre. Cambió la primera parte (“Kaminoku”) poniendo “FURUIKE YA” en lugar de “YAMABUKI YA” del original de su discípulo.
Este episodio significaría que el famoso Haiku de Basho no sería su producto original, en otras palabras, no es una obra producida ante el lugar concreto o la escena real.
Hay variadas discusiones y teorías sobre el lugar de FURUIKE. Algunas verosímiles:
1. El Templo IWAMA de OTSU el que visité y encontré el monumento que lleva el mismo Haiku. Por qué “verosímil”, porque después de su viaje de OKUNO-HOSOMICHI, Basho se alojó más de 4 meses aquí cerca del templo IWAMA.2. En Tokio también hay lugares bien conocidos que figuran como inspiradores del famoso Haiku. Otra versión, dice que hubo una reunión del grupo de Basho en el barrio de FUKAGAWA en Tokio y allí produjeron varios Haikus. Basho presentó una vez solo la última parte (“Shimonoku”) KAWAZU TOBIKOMU MIZU NO OTO y su discípulo Kikaku añadió la parte primera “FURUIKE YA”. El lugar en particular sería el templo RINSENJI donde Basho gozaba de la amistad del bonzo de alto rango.
Dicen, también, que a Basho le gustaba mucho el Soba (tallarín japonés). Por lo tanto, frecuentaba las tiendas locales de Soba en Tokio. Y en una de ellas Basho, con un “poquito” de Sake, produjo esta obra.
Otros dicen que el Estanque era de su discípulo Kikaku donde artificialmente cultivaban peces. También en Tokio. Por eso muchos creen que esta obra nació en Tokio. Transcribo lo que me escribió mi amigo Justino en respuesta a la pregunta: El estanque de Basho, doko desu ka?: “Me pides, creo, una cosa imposible. Hay innumerables estanques que se precian de ser el que inspiró a Basho. Como las reliquias de la Vera-cruz, o las llaves de la casa de la Virgen....
Lo que si parece ser cierto es que Basho tenía 43 años cuando lo leyó, que era el mes de marzo (las ranas empiezan a salir) y que estaba en Edo, el actual Tokio. Había reunido en su casa a un grupo de discípulos y ese día fijaron el tema de la "rana" para hacer Haikus que leía uno y seguía otro con el tema, de forma concatenada. Era la costumbre que tenían.
Cuando llego el turno del Maestro, Basho no se fijó en la "rana" en sí, en la cosa, sino que tuvo la inspiración genial de describir el “ruido” de la rana al saltar al agua.
Sobre la charca: algunos dicen que Basho había estado antes en casa de un discípulo llamado Fujisaemon, que tenía un jardín y una charca. Otros dicen que delante de la choza donde se hospedaba o vivía (temporalmente) Basho había una charca, e incluso hay fotos de esa charca.... En fin, otros dicen que cerca de su casa natal de Ueno hay otra charca y actualmente allí hay un letrero que dice que aquí se inspiró Basho...
La conclusión te la dejo a tu libre elección o sentimiento”.

La fiesta del Mochi

2008-12-31T18:29:00.005+09:00

Fuimos invitados a la ceremonia típica de fin de año para elaborar mochi. Nuestra amiga Tamami y su familia todos los años, el 30 de diciembre, se juntan con los amigos y realizan esta fiesta tradicional. Así que muy temprano en la mañana con nuestro amigo Armando nos encontramos en Abiko y partimos a participar en tan especial evento. El Mochi (餅) es un pastelito de arroz japonés hecho de arroz glutinoso molido en una pasta y después moldeado.Tradicionalmente, en Japón se hace en una ceremonia llamada mochitsuki. Aunque se come todo el año, el mochi es comida típica para el año nuevo japonés, cuando es más común su consumo. También es usado para hacer ofrendas a los dioses en los santuarios shintoistas; por ejemplo, en Fushimi inari.
El proceso comienza el día anterior, con la limpieza del mochigome (arroz pulido glutinoso) que se deja en remojo durante toda la noche.A la mañana siguiente se hierve en una olla especial llamada kama hasta que queda muy pegajoso y entonces es cuando empieza el ritual más llamativo y espectacular: se coloca el arroz pegajoso en un gran mortero de piedra (usu) y entre dos personas se realiza el proceso de golpear con una enorme maza de madera (kine) mientras la otra lo voltea entre los intervalos de un golpe a otro. Este proceso es muy complicado, pues el arroz esta cada vez más pegajoso, y además requiere mucha fuerza (para golpear), mucha rapidez (para voltear la masa) y mucha atención y sincronización (para que no salga nadie herido o que no se generen astillas que se mezclen con el arroz). Es una labor muy dura, por eso cuando se realiza, grupos de personas se turnan para su elaboración, hasta que la masa alcanza la textura adecuada, y entonces se va separando la masa en porciones (como bolitas) y se elaboran los derivados de mochi que se deseen conseguir.
Luego estos se añaden al zenzai, una sopa de judías rojas dulces que se reparte muy caliente entre los asistentes, pues no debemos olvidar que en esta época del año hace mucho frío.Hay que tener cuidado de masticar bien el mochi, ya que es muy fácil atragantarse y cada año, en enero, los medios de comunicación dan la noticia de varios muertos por esta causa, principalmente personas de avanzada edad.

Nota: Escribí esta crónica con los datos publicados por Jordi Juste en El Periódico en 2007. http://www.elperiodico.com/default.asp?idpublicacio_PK=46&idioma=CAS&idnoticia_PK=464404&idseccio_PK=1007&h=

Japón. De la katana al manga

2008-12-23T13:12:00.002+09:00

En Japón. De la katana al manga, nos encontramos ante un mosaico de impresiones, escenas y anécdotas que, ateniéndose al orden cronológico, en su conjunto nos ofrecen una amplia imagen de la vida política y cultural japonesa desde la época del aislamiento aproximadamente 1600 hasta nuestros días. Abundan las anécdotas jugosas o significativas tratadas con una indulgente ironía -antológicas algunas como la del famoso Dr. Tadanobu Tsunoda, para quien el cerebro japonés procesa sonidos y palabras de forma diferente al cerebro occidental-, que a menudo dan pie a reflexiones o divagaciones críticas acerca de la evolución histórica y política del país del sol naciente en las que Javier Martínez opina sin cortapisas, con absoluta libertad, incluso con un sesgo de crítica, sobre acontecimientos y sobre personajes importantes de la historia y cultura japonesa: El siglo ibérico con la llegada de Francisco Javier; el shogun Iemitsu y su sakoku o país cerrado; la educación del emperador Meiji; la guerra civil; la Restauración; desde el feudalismo a la modernidad; las dos religiones Shinto y Budismo; los conflictos con China y Corea; la doctrina del Kokutai, un nuevo nacionalismo; la derrota y la ocupación; el desarrollo después de la Segunda Guerra Mundial...
El estudio de Martínez propone no tanto un trabajo de investigación cuanto una síntesis, razonable y pertinente, de lo analizado durante décadas por estudiosos de los varios campos de la historia del arte, la literatura, la religión y la historia política de Japón. Pero, sobre todo ello, este libro tiene un aporte principal que sobrepasa el interés particular por la mera anécdota: enseña la extraordinaria densidad de la cultura y la tradición japonesa, la ligazón inextricable entre las manifestaciones religiosas, el culto popular, la historia, la iconografía, la literatura; la simbiosis entre la cultura religiosa y la política, y la necesidad de integrar históricamente todas estas disciplinas para comprender el pasado remoto e inmediato de un país. Es en este sentido, que Javier Martínez se pregunta: ¿Es Japón un país único?

En mi opinión, esa fascinación que nos producen los japoneses, por ser tan distintos, a nosotros los occidentales, es confirmada por una variada literatura, por ejemplo: Viaje al Japón, Rudyard Kypling; En el país de los dioses, Lafcadio Hearn; La espada y el crisantemo, Ruth Benedict; Japón en otoño, Pierre Loti; Japón: la estrategia de lo invisible, Michel Random. Para el sociólogo y antropólogo Renato Ortiz aunque existe una tendencia que sobrevalora la dimensión tradicional de la sociedad japonesa y que nos impide pensar su modernidad, en el contexto de la modernidad-mundo, no hay ni Oriente ni Occidente, es un fenómeno que traspasa los límites de las fronteras nacionales. De este modo, los japoneses son parte de un “nosotros”, problemático, contradictorio, que revela la expansión a nivel global de representaciones culturales.
Los estudios de Japón. De la katana al manga combinan la atenta lectura de los textos y sus contextos y el documentado aparato bibliográfico con la amenidad de una obra divulgativa, lejos de esa altanera erudición con que a veces nos atragantan los sabios investigadores de los estudios culturales. No se trata, por lo tanto, de una obra reservada sólo a especialistas, también el lector interesado por Japón y su cultura encontrará en estas páginas un espléndido panorama de personajes y eventos, ameno, de lectura fácil, escrito con gran rigor y con una sólida base documental.

Javier Martínez Herrero, nació en Soria en 1948. Realizó estudios de Filosofía y Letras en las universidades de Zaragoza y Poitiers, Francia. Su interés por el Extremo Oriente le llevó a Japón en 1971, país en el que reside desde entonces, dedicado al estudio de la cultura y sociedad japonesas. Compagina esta labor con la enseñanza en el Departamento de Estudios Hispánicos de la Universidad de Estudios Extranjeros de Kyoto.

Javier Martínez Herrero. Japón. De la katana al manga, Shinden Ediciones, 2008. 352 págs.

El Tanuki

2008-12-06T09:56:00.002+09:00

La foto de la semana (01 al 07 de diciembre)

Un tanuki en el jardín

Desde la terraza de mi departamento logré fotografiar este ejemplar de Tanuki. Fue una ardua tarea, porque se escondía en los arbustos del jardín de la Universidad de Kansai Gaidai. Pero finalmente logré atraparlo con mi disparo. Este animal es parte importante del folklore y la mitología japonesa, uno de los países de donde es originario. Su papel es similar al del zorro en ésta y otras muchas mitologías. En muchos cuentos tradicionales aparece como un animal-espíritu travieso que tiene la habilidad de cambiar de forma y adoptar apariencia humana. Bajo su disfraz comete travesuras y bromas que pueden llegar a tener graves consecuencias.

Mariposa japonesa

2008-11-04T17:24:00.006+09:00

La foto de la semana (27 octubre al 2 de noviembre)

Una mariposa en mi mano
Podría ser el título de un cuento fantástico, pero ocurrió en la realidad. En una fría tarde otoñal aterrizó suavemente en el dorso de mi mano una mariposa. Al lado de uno de los jardines de Kansai Gaidai, en la puerta sur, este ejemplar andaba revoloteando sin rumbo fijo. Fue un poco difícil enfocar mi cámara compacta con la mano izquierda, pero resultó una imagen afortunada.

Flor en Demachiyanagi

2008-10-26T18:17:00.008+09:00

La foto de la semana (20 al 26 de octubre)

Esta fotografía la tomé en el camino al Instituto Italiano-japonés cerca de Demachiyanagi en Kioto. Es una flor de la cual desconozco el nombre, pero me llamó la atención el insecto que bebía, en pleno otoño japonés, el néctar de los dioses en los estambres. No es una abeja, aunque se nota que estaba feliz.

Perros calientes

2008-10-15T17:48:00.002+09:00

Podríamos decir que este poemario de Alberto Silva se adscribe a esa idea de que Poesía y Vida van alambicadas; unidas en una especie de espiral casi a la manera del pensamiento dialéctico. Algunos críticos, académicos y escritores la definen como una estrecha relación entre la vivencia y la imaginación. Eso ocurre en todo lo que un poeta escribe, con mayor o peor fortuna, y en este libro se nota esta preocupación por la posibilidad de cercanía entre estos dos elementos: “descartando locuras, bajas y suicidios,/ dónde están esos chicos que hace tanto volvieron?/ verán la peli/ en el hospicio/ maniobrando con su silla de ruedas/ o si hay suerte en la barra del bar/ tomando cerveza y contando/ historias verdaderas o falsas sobre una guerra/ que les cayó de pronto/ como argolla de plomo en la garganta/ como engaño masivo/ como negra mortaja”. En la lectura detectamos alguna presencia de las vanguardias latinoamericanas en que la captación de lo nuevo representa en esencia un acto de creación o más bien la recreación de la realidad a través de una nueva perspectiva poética. En este sentido, un cosmopolita no es solo representado como ciudadano capaz de adoptar cualquier patria y como mera experiencia personal, sino que el cosmopolitismo interesa en tanto apertura de fronteras culturales y como conversión de ese factor histórico social en escritura: “Preguntado que de dónde era, respondía: Cosmopolita”
Siempre hay oriente y hay occidente/ siempre hay un griego, siempre hay un persa/ siempre franceses y siempre belgas/ hay los gallegos, los portugueses/ siempre habrá chinos y taiwaneses/ y japoneses frente a coreanos/ los madrileños, los catalanes/ ... siempre un adentro, siempre un afuera”.
El caminar, el deambular, del ente protagonista en los poemas de Silva, sucede al ritmo de la vida cotidiana y ofrece un espacio para el despliegue de las percepciones. La palabra que recoge las sensaciones está atenta a todo suceder del lenguaje en que confluyen los diferentes ritmos y velocidades de la lengua hablada: ese hablar cotidiano en donde más están la inteligencia y la energía: “se me quema el asado/ y el fuego que rutila que raspa y que muerde y que roe/ y desangra esa carne jugosa/ goteando sudores y babas en la pera mental/ de voyeurista hambriento/ de inapelables redondeles/ de ombligos torneados en el vértigo/ de mundos impalpables como en una pileta/ en que abismo mi olímpica audacia...”. Este territorio que trabaja Silva tiene que ver con ciertas tradiciones de la poesía argentina, pienso en la obra de Juan L. Ortiz, por ejemplo. En palabras de Hugo Gola: “Cuando aparece el lenguaje no es simplemente un recipiente de experiencias que se producen fuera de él, sino que se convierte en parte de esa experiencia”.
Perros calientes constituye un ejercicio de indagación e incluso de expurgación de ciertos dolores, de mucha rabia acumulada, en que Alberto Silva desvela su versión de una realidad con elementos entresacados de su experiencia sentimental con simples referencias a acontecimientos, algunos autobiográficos, pero tamizándola entre sueños, recuerdos, cruces, lecturas, viajes, polisemias, sugerencias, visiones, aventuras, privándolas así de su estricto significado verbal. De este modo nos ofrece un íntimo diálogo fraterno que nos puede salvar temporalmente de las incongruencias y el desorden de la vida. Pero además, esta poesía nos ofrece una posición diferente para situarnos frente a un mundo que, en la mayoría de los casos, nos sigue siendo hostil y que parece abocado a su autodestrucción por inanición moral: “...quizá de esto se nutre/ la estupidez socializada:/ respuesta agradecida de la plebe alas prodigalidades/ del señor que mande (como mínimo abarca a:/ sabios a sueldo del menos débil de los fuertes/ periodistas cautivos de la autocensura/ líderes de geometría muy variable...”. En otras palabras es la exploración de esa problemática relación entre un yo y sus mudables aunque inasibles circunstancias. Mediante la ironía, y la mirada oblicua, esa mirada tan nipona, sobre las cosas del mundo, Alberto Silva hace cómplice al lector ya que es un poeta sugeridor de espacios que libera momentos de pensamiento y que responde a un particular modo de entender el mundo que le rodea.

Alberto Silva nació en Buenos Aires. Es doctor en Letras por la Universidad de Paris Sorbonne. Publica ensayo y poesía para medios de Argentina y otros países. Sus últimos libros de poemas son El viaje (Paradiso, 2003) y Celebración del mar (Bajo la luna, 2004). Intimidad con las palabras está en curso de publicación. En 2007 apareció su Alada claridad (Pre-Textos, Valencia). Publicó El libro del Haiku (Visor, Madrid, 2008; Bajo la Luna, 2005) y Libro de amor de Murasaki (Pre-Textos, Valencia, 2008). Fue finalista de los concursos de poesía El Bardo (Madrid) y Ambitos Literarios (Barcelona). Perros calientes. Alberto Silva, Ediciones del Dock, Buenos Aires, 2008. 76 págs.

Kojiki. Crónicas de antiguos hechos de Japón

2008-09-04T20:16:00.003+09:00

La editorial Trotta ha publicado por primera vez en español, desde el original japonés, el libro considerado la Biblia japonesa. Kojiki. Crónicas de antiguos hechos de Japón. Es un gran trabajo de traducción realizado por Carlos Rubio y Rumi Tani Moratalla. Con una introducción que es un verdadero ensayo explicativo del valor del libro y con notas a pie de página que aclaran al lector muchos aspectos culturales del “país del sol naciente”.El Kojiki es la obra conservada más antigua de Japón. Narra las tradiciones nacionales desde la edad mítica de los dioses hasta el reinado de la emperatriz Suiko (593-628). Aunque fue ordenada por el emperador Temmu, fue presentada a su sucesora, la emperatriz Gemmei, treinta años después, el 9 de marzo del año 712. Desde diversos ángulos; filológico, histórico, antropológico, mitológico, literario, todos los estudiosos han reconocido la grandeza artística de esta obra milenaria. Sus leyendas, poemas y canciones poseen el primitivo encanto y la inocencia de la expresión de un pueblo en busca de su identidad cultural. Los pasajes más inspirados y bellos de la obra suelen estar relacionados con historias de amor, especialmente asociadas a raptos y a relaciones especialmente inaceptables.
Me interesa destacar el considerado primer poema japonés, para lo cual transcribo parte del capítulo donde aparece y su nota explicativa en la página 80.

“[Capítulo 14. EL MATRIMONIO DEL DIOS SUSANO Y SU DESCENDENCIA]

Después, [el dios] Susanō buscó un lugar donde construir su nueva morada en la provincia de Izumo. Al llegar a las tierras de Suga, dijo con satisfacción:
-Mi corazón se siente puro desde que he llegado aquí.
Y se construyó un palacio donde se quedó para vivir. Por eso, esa tierra es conocida todavía hoy con el nombre de «Suga». Cuando el dios edificó su palacio de Suga, se alzaron nubes por encima del palacio. Al verlas, Susanō recitó los siguientes versos:

Hay ocho nubes
en palacio de Izumo,
el de ocho vallas,
donde mora mi esposa,
de ocho vallas guardada.

Ya-kumo tatsu
Izumo ya-he-gaki
Tsuma gomi ni
Ya-he-gaki tsukuru
Sono ya-he-gaki wo

Luego llamó a Ashi-na-zuchi y le ordenó: -Serás el jefe responsable de mi palacio.

99. Este poema, que también figura en el Nihon shoki, es tradicionalmente considerado el primero de la literatura de Japón. Susanō pasa por ello como el creador de la poesía japonesa (waka). Marcará el modelo de versificación del futuro waka. La singular brevedad de su estructura formal, cinco versos de 5-7-5-7-7 sílabas, y que seguramente reflejaba el ritmo poético de canciones tradicionales, será el santo y seña de la posterior poesía japonesa clásica. Una concisión demasiado primordial la de esas 31 sílabas para no intentar respetarla en esta versión castellana. Puede consultarse su transcripción japonesa en el Anexo 1. La diáfana regularidad de la medición de sus cinco versos, por otro lado, hace al poema sospechoso de que pudo tratarse de una adición tardía al texto del Kojiki. En cuanto al significado del poema, ha sido diversamente interpretado como epitalamio, como plegaria propiciatoria en la ceremonia del inicio de la construcción de una casa, y como canción ritual para pedir la protección de los dioses de Izumo a una pareja de recién casados. Véase al respecto Yamaji Heishirō, «'Yakumo tatsu Izumo yaegaki', uta-ko»: Kokubungaku kenkyū 12/33, 1968, pp. 5-7)”.

Kojiki. Crónicas de antiguos hechos de Japón. Traducción del japonés de Carlos Rubio y Rumi Tani Moratalla, Editorial Trotta, Madrid, 2008. 282 págs.

OUT, de Natsuo Kirino

2008-08-28T16:47:00.002+09:00

Novela poliédrica Out, de Natsuo Kirino (su nombre real es Mariko Hashioka) es una novela poliédrica; posee muchas caras, demasiadas aristas a las que debe enfrentarse el lector. No es la típica novela negra o policíaca ya que una de sus características principales; la resolución de un enigma, está ausente. Es algo más íntimo al estilo macabro de Shirley Jackson que a la fórmula del estrado inglesa de Agatha Christie.
Aquí nos encontramos con la metrópolis del siglo XXI y con la vida de seres atrapados en un crimen que no es nada de extraordinario; al contrario, es un ingrediente propio de la sociedad contemporánea. Y sobre todo, de la sociedad japonesa que es una máquina trituradora de personas, al menos esa es la imagen que nos quiere presentar la autora.
Entonces nos encontramos con una novela que nos inserta en una historia moralmente ambigua, situada en un mundo mucho más real. La dimensión social, el retrato de la sociedad en su lado más negativo es lo que importa en Out. En este caso la sociedad japonesa muestra su otra cara, la más oscura, alienada e inefable y se mezclan en el relato el retrato sociológico y psicológico de las causas que impulsan al delito a personas aparentemente normales, inserto en una realidad protagonizada por mafiosos, que reflejan el hampa desde dentro.
Resalta el aislamiento de los personajes o de los individuos en una sociedad que no permite expresar las emociones. Es la incomunicación típica de “Perdidos en la traducción” y no en Tokio. Así las cuatro mujeres protagonistas, que trabajan como obreras nocturnas de una fábrica de comida precalentada viven aisladas y son disfuncionales tanto en la vida privada como pública.
Yoshie, “La Maestra”, una mujer viuda que debe cuidar de su suegra incapacitada una de cuyas hijas le roba dinero y la otra aparece y desaparece dejándola al cuidado de un nieto del que desconocía su existencia; Yayoi, joven, atractiva, casada y maltratada por un marido infiel y jugador empedernido que debe sacar adelante como puede a sus dos hijos pequeños; Kuniko, en los treinta, insatisfecha con su trabajo y con su vida, vive obsesionada por el lujo y la ostentación, incapaz de asumir sus limitaciones; y Masako, madura e inteligente y capacitada que ha tenido que cambiar de trabajo, cuyo marido duerme en una habitación separada sin más motivo que el hastío y cuyo hijo adolescente es un típico hikikomori que se niega a hablar hace varios años.
Cuatro mujeres que unen sus destinos el día en que Yayoi estrangula con un cinturón a su marido. Masako y las otras deben disponer del cuerpo. Dirigidas por Masako, las mujeres se comprometen en el negocio espantoso de liberarse, no sólo de la evidencia de su crimen, sino que de las cargas sociales y financieras que han estado sofocándolas. Las mujeres pasan de contrabando el cuerpo de Kenji a la casa de Masako y en este punto Kirino proporciona una descripción clínicamente detallada del cuerpo, rebanado, abierto, destripado, desmembrado, y los trozos puestos en las bolsas de la basura. Las mujeres finalmente en sus bicicletas distribuyen los pedazos mortales del hombre a los lugares de recolección de la basura alrededor de la ciudad.
Así como las cosas empiezan a ir bien, todo empieza a salir mal: por lo menos dos de las mujeres cometen errores infantiles, que traicionan y ponen en peligro a las otras, y Masako debe averiguar de una manera segura del peligro que amenaza destruirla. Y que no es otro que Satake, un enfermo mental, sádico y degenerado, dominado por sus sueños de placer y tortura.
Natsuo Kirino reconoció que se basó en un hecho real para escribir Out. En Inokashira Park, no lejos de donde ella estaba trabajando encontraron los restos de un hombre descuartizado. La esposa de la víctima fue inicialmente la principal sospechosa y fue la que definitivamente le proporcionó las ideas para Out.Este tipo de crímenes reciben el nombre de barabara shitai en japonés y han aumentado en los últimos años. Uno de los más sensacionales tuvo lugar en diciembre del 2006. Kaori Mihashi, de 32 años, asesinó a su marido, Yusuke, en su lujoso condominio de Shibuya, desmembró su cadáver y las porciones de él las distribuyó alrededor de la ciudad en bolsas de basura de vinilo. Lo curioso es que los medios de comunicación fueron convencidos inicialmente que posiblemente una banda compuesta por extranjeros estaba involucrada en esta espantosa matanza.

Tortilla japonesa de soja y nabo seco

2008-08-20T13:18:00.000+09:00

Mis amigos me piden que publique algunas recetas de comidas japonesas. Pues bien, aquí les entrego una. Aunque la edito y reviso yo, esta receta fue traducida desde el japonés al español por Tomoko Kitano, alumna de la Universidad de Osaka, Handai.

Tortilla japonesa de soja y nabo seco

“Daizu to Kiriboshi daikon no Omuretsu”

Ingredientes (para 4 personas)

5 huevos (Tamago)

1 lata de soja (140 gramos) (Daizu no Mizumi Kanzume o Daizu no Drypack)

30 gramos de nabo seco (Kiriboshi daikon)

2 cucharadas de sake (Sake)

1 cucharada de Mirin (edulcurante líquido) (Mirin)

1 cucharadita de salsa de soja (Shōyu)

1/3 cucharadita de sal (Shio)

Aceite de ensalada (Salada abura)

Preparación

1. Lave los nabos secos con agua en abundancia. Luego déjelos remojando por 5 minutos. Después exprímalos y córtelos en tiras delgadas para comer fácil. Escurra el jugo de la lata de soja. Bata los huevos.

2. Ponga aceite de ensalada en la sartén (de un diámetro de veinte centímetros) y caliente. Luego fría los nabos secos a fuego medio. Añada A agitando el sartén y mezcle bien. Añada la soja y fría ágilmente.

3. Añada los huevos removidos a 2 y revuelva hasta la consistencia de huevos cocidos por agua mezclando adecuadamente y deje cocinar a fuego lento por 3 o 4 minutos hasta que la base se cuaje y empiece a dorarse. Cubra el sartén con un plato de tamaño más grande que la sartén. Vuelque y saque la tortilla. Añada 1/2 cucharada de aceite de ensalada en el sartén y reponga la tortilla en el sartén. Deje cocinando por 2 o 3 minutos.

4. Sirva enseguida o déjela hasta que esté fría.

Nota importante: Aunque ahora la globalización nos permite encontrar los productos en supermercados asiáticos o tiendas de productos asiáticos, a veces es difícil conseguirlos. Pero podemos reemplazar por ejemplo el mirin por pisco de bajo grado alcohólico y agregarle un poco de azúcar o un vino blanco dulce. Asimismo el sake lo podemos reemplazar por jerez, un vino blanco muy seco o pisco.

El daikon es un rábano blanco gigante. Cuando se deseca en tiras largas y finas se llama kiriboshi daikon.

La Ermita Shisen-dō

2008-08-15T23:23:00.001+09:00

El segundo templo que visitamos en el tórrido verano de Kioto para observar su jardín fue El Shisen-dō. Oficialmente llamado “Outotsu-ka”, se localiza en el distrito de Ichijō-ji al pie de la cordillera norteña de Higashiyama. Aunque el distrito es ahora una parte de la ciudad, su atmósfera todavía es como la de un pueblo viejo.

El Shisen-dō fue establecido por Jōzan Ishikawa (1583-1672), quién no sólo era conocido como un estudioso de los clásicos chinos, sino que también como un arquitecto del paisaje. Nacido de una familia Samurai de la Provincia de Mikawa, Jōzan se hizo sirviente personal de Ieyasu Tokugawa a la edad de dieciséis años. En el entretanto, Ieyasu se volvió un shogun, y en 1615, a la edad de 33 años, Jōzan lo acompañó para la batalla en contra de los Toyotomis que entonces dominaba desde el Castillo de Osaka. Poco después de la batalla, Jōzan se retiró del servicio del samurai y se consagró a los estudios. Después de servir durante 15 años a un señor feudal en Hiroshima como su tutor regresa a Kioto. En el año 1641 cuando tenía cincuenta y nueve años construyó el Shisen-dō, su ermita. Su nombre se asocia con los retratos de treinta y seis poetas chinos clásicos que él había seleccionado y había desplegado en su cuarto principal. Jōzan permaneció soltero toda su vida y se hizo experto en poemas chinos y Reisho, un estilo de caligrafía. Es más, él se convirtió en un creador de Sencha (Bunjincha) en Japón. Murió a la edad de noventa años en mayo de 1672.

Desde 1716, cuando un sacerdote budista de la secta Shingon fue asignado para sostener la propiedad de Shisen-dō por primera vez, los sacerdotes budistas tuvieron éxito algún tiempo en administrar la propiedad. Después en 1743, una monja zen se asignó con el apoyo del Príncipe Imperial Kan-in-no-Miya, y desde entonces se volvió una costumbre que una monja Zen esté a cargo del Shisen-dō.

Desde fuera a través de una simple y rústica verja Shōyūdō, un camino de piedra ligeramente ascendente, sombreado con árboles de bambú a ambos lados, conduce hacia dentro a otra verja, Rōbaikan. Esta verja está abierta al jardín delantero de arenas blancas como normalmente puede verse en los templos zen. Las arenas blancas extendidas encima del jardín están alisadas con una escoba, dejando los surcos con dibujos característicos. El edificio incluye el cuarto principal, Shisen-no-ma, un estudio, Shirakusō y un cuarto pequeño para ver la luna, Shōgetsurō.

El jardín interior principal también se cubre con arenas blancas como el jardín delantero. Mirando desde el cuarto principal, el jardín se orilla por arbustos de la azalea que empiezan a florecer en el principio del verano. Se dice que en el jardín bajo los arbustos se encuentran cien tipos de flores, Hyakkanō. Se mezclan glicinas y arces con los árboles de varios tipos para embellecer la colina. El agua de una cascada pequeña, Senmōbaku, fluye a un estanque poco profundo, Ryōyōhaku. El murmullo de la cascada, es acompañado con el sonido intermitente pero puntual de un “sōzu” -una clase de espantapájaros de agua-. El sōzu, también llamado Shishiodoshi, es hecho de bambú, inventado para caer a una piedra automáticamente debido al poder gravitatorio del agua corriente que despacio llena el tallo de bambú. Era popular entre los granjeros vecinos como un aparato agrícola para asustar ciervos salvajes y jabalíes cuando salían fuera de sus campos en los días de Jōzan. El sōzu en el jardín de Shisen-dō es el único funcionando.

Hoy día, el Shisen-dō se alista bajo Eihei-ji, el templo cabeza de la secta Zen Sōtō. Aunque el paisaje de Shisen-dō es todo el año igualmente impresionante, las azaleas floridas a finales de mayo y las hojas del arce teñidas de rojo escarlata a finales de noviembre merecen una mención especial.

Manshuin Monzeki

2008-08-15T13:16:00.002+09:00

En un caluroso y húmedo día de verano en Kioto visitamos con nuestra amiga Kimie el Templo de Manshuin, nuestra intención era admirar el jardín.

El Templo de Manshuin, fundado por Dengyo Daishi (8th D.C.), se localizó originalmente en el valle norteño de la región de Saito en el monte Hiei, y era conocido en ese momento por el nombre de “Tobibo”. Durante el periodo de 1108 a 1109 D.C., cuando el Abad Chujin era el sacerdote principal, Tobibo cambió oficialmente su nombre a “Manshuin”. Al principio del Periodo Edo este templo se trasladó al sitio actual, cuando la abadía se sostuvo por el Príncipe Ryosho, segundo hijo de Katsura-no-miya Tomohito. Ryosho cambió el sitio de este templo desde el norte del Palacio Imperial al sitio presente en el barrio del Shugakuin, y contribuyó mucho a su reconstrucción. Su originalidad se ve ampliamente reflejada en el plan del jardín así como en el estilo arquitectónico del edificio que es representante de la arquitectura típica del estilo Shoin. Este templo ha tenido varios sacerdotes eruditos muy famosos y distinguidos en el pasado. Entre sus tesoros se encuentra un pergamino de la imagen de “Acala” pintado de amarillo y la edición Manshuin del Kokin Waka-shu. Se destacan para visitar el “cuarto del Tigre” (el Gran Vestíbulo). Se dice que los cuadros en las pantallas en pie pueden haber sido pintados por Kano Eitoku en el Periodo Momoyama.

El “cuarto del Bambú” (Segundo Vestíbulo). Los cuadros en las puertas corredizas son impresiones en bloque de madera del Periodo Edo. El Gran Shoin. La arquitectura del estilo Shoin, construida al principio del Periodo Edo. Se encuentra el altar sagrado y es el cuarto más elevado. La estatua principal aquí es Amida Nyorai. También se conservan en este lugar las lápidas conmemorativas de los abades de las generaciones pasadas.

El jardín es característico del “Karesansui” (el jardín con el estanque) del “estilo de Enshu”. Hay dos islitas, “grulla” y “tortuga”. Lo que más destaca es un árbol de pino en forma de una grulla de 400 años. Debajo del árbol de pino está una linterna de piedra que se llama Krishima Doro o Kurusu doro o Manshuin Doro.

Hanabi de Uji 2008

2008-08-14T18:18:00.000+09:00

Nuevamente este año el 10 de agosto asistimos 48 festival de fuegos artificiales de Uji. Estuvimos cerca del puente Uji-bashi el más antiguo existente en Japón. Unos siete mil fuegos artificiales fueron lanzados en esa ardiente noche de verano.

La ciudad de Uji en el sur de Kioto fue el lugar de las villas de recreo de la nobleza; allí la familia Fujiwara, en la era Heian, construyó sus villas y sus templos y allí se encuentra el templo Byodoin. La escritora Murasaki Shikibu escogió muchos lugares de Uji como escenario de Genji Monogatari, escrita a comienzos del siglo XI.

Cuando finalizaron los fuegos, después de una apoteosis espectacular, visitamos los “chiringuitos” con comidas, compramos “kakibori” y regresamos a Hirakata entre miles y miles de japoneses.

Borges en Japón

2008-08-11T07:15:00.000+09:00

Jorge Luis Borges viajó a Japón en dos oportunidades; la primera, en noviembre de 1979; la segunda, en abril de 1984. Pero fue el primer viaje el que lo marcó, ya que estuvo casi un mes visitando ciudades, templos, jardines. Cuando se le preguntó cual era su impresión sobre el país, respondió: “La gente es muy amable y correcta. Tengo la impresión que el respeto a la moral y a la ética están muy difundidos en toda la sociedad. No ocurre lo mismo en Latinoamérica, donde hay gente que se comporta negativamente, que hace mal uso de su inteligencia, buscando engañar a otras personas. Tal vez sea la tradición de la novela picaresca. Son sociedades muy tolerantes con los pícaros. Incluso a los pícaros se los elogia. Esto es algo imposible de concebir en Japón”. Es una respuesta que a 29 años sigue vigente, aunque Japón ha cambiado bastante. A lo mejor no se podría sostener que en Japón no existen los pícaros...

Lo que quiero resaltar es que conviene leer el excelente libro de Guillermo Gasió, Borges en Japón. Japón en Borges. Nos encontraremos con la perspectiva de un viajero ciego y, según sus propias palabras, en el hermoso laberinto que es Japón.

Reseña de la contratapa del Libro:

“... desde una escritura que ejerce la insinuación y que ignora la hipérbole” [...] “desde tus muchedumbres en voz baja, he divisado tu superficie, oh Japón. En ese delicado laberinto...”. Así cantó Jorge Luis Borges al país que visitó en 1979 y 1983.

Estas páginas contienen el texto completo de una conferencia de Borges sobre sus experiencias con Japón; un simpático diario de viaje escrito por María Kodama: una síntesis del material publicado por la revista japonesa “Cahier” en octubre del 78 que ilustra acerca de cómo han leído a Borges los especialistas japoneses; la traducción completa de “Tributo al viajero”, libro que compila crónicas periodísticas, entrevistas. notas y apostillas publicadas con motivo del primer viaje de Borges a Japón; un sugerente artículo sobre la presencia de Japón en la literatura borgeana, según uno de los traductores de su obra al japonés, y la necrológica con que lo despidiera otro.

Guillermo Gasio -testigo de la presencia de Borges en Japón- ha preparado la versión en español, la compilación y la presentación de estos valiosos y heterogéneos ensayos, que la Editorial Universitaria de Buenos Aires ofrece en homenaje al gran escritor argentino.

JA 0030

ISBN 950-23-0403-9

Gasió, Guillermo. Borges en Japón. Japón en Borges, Eudeba, Buenos Aires, 1988. 160 págs.

PL Hanabi en Osaka

2008-08-04T20:30:00.004+09:00

En Osaka, hay muchos festivales de fuegos artificiales. Las personas que son fanáticas van a todos. Sin embargo, los más populares probablemente son los de “Tenjin Matsuri Hounou Hanabi” y el “PL Hanabi Geijitsu”.

Yo asistí el 1 de agosto al PL (Libertad Perfecta) uno de los más espectaculares y se dice que es el más grande en el mundo. Es famoso por su despliegue extravagante de aproximadamente 120.000 fuegos artificiales, entre ellos una escena del Niágara. Asisten millones de japoneses por lo que el regreso a casa se hace extremadamente difícil por la aglomeración y no poder tomar el tren.

La historia de este festival está ligado a una nueva religión y según su página web el Primer Fundador, en varias oportunidades decía: “Luego de mi muerte, esta religión se va a propagar a todo el mundo. Por lo tanto, mi muerte tiene un propósito para la paz mundial. No quiero que se lamenten por mi muerte, sino quiero que festejen con fuegos artificiales”. El Segundo Fundador, deseando cumplir sinceramente su deseo, creó el “Arte de Fuegos Artificiales de PL” en homenaje a sus virtudes.

En 1953, en la ciudad de Matsuyama, fue realizado por primera vez. Y a partir de 1954 comenzaron a realizarse en la Sede Central en Tondabayashi.

Este evento anual se convirtió e el más famoso en el área y es apreciado no sólo por los adeptos de PL, sino por muchos residentes de la metrópoli de Osaka y las ciudades aledañas. Durante una hora se pinta el cielo de diversos colores y formas y la gente celebra las figuras multicolores con grandes exclamaciones y aplausos.

Kyoso-sai PL Hanabi Geijutsu
Perfect Liberty religious order Fireworks Arts.
Date Every August 1 start at 19:00
Place Tondabayashi-city, Osaka
Access Kin-tetsu line, get off at Tondabayashi Sta. go by bus, inside Hikarigaoka C.C.
Info The liaison section Tel (active in English, maybe)
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Fotografias del Tenjin Matsuri

2008-07-30T14:21:00.005+09:00

Una selección de las ciento de fotografías del Tenjin Matsuri en Osaka.

Tenjin Matsuri

2008-07-28T11:01:00.003+09:00

El viernes 25 en medio de un tórrido verano -los termómetros marcaban 36 grados- asistí al famoso Tenjin Matsuri. Un festival que atrae a cientos de miles de personas por su colorido y las ceremonias tradicionales que se llevan a cabo. Tiene una historia de más de 1.000 años, y es una de las tres más grandes fiestas de Japón junto con el Gion Matsuri, en Kyoto y Kanda Matsuri, en Tokio. Es una fiesta de verano que se realiza en el templo de Tenman dedicado al erudito poeta Sugawara-no-Michizane (845-903), quien fue deificado como Tenman Tenjin, el dios patrón del estudio y las artes. En los días de la fiesta, se presentan varias artes de la representación japonesas tradicionales como música del kagura que se realiza cuando el homenaje provechoso a los dioses, y bunraku con actuaciones teatrales que usan los títeres en varias las partes de la ciudad.Uno de los momentos culminantes es la procesión terrestre Rikutogyo que consiste en un desfile de unas 3.000 personas vestidas en el estilo de la corte imperial de los siglos 8 y 12 que marchan al lado de las urnas portátiles. Caminan aproximadamente 4 kilómetros desde el Templo Osaka Tenmangu hasta el Puente de Tenjinbashi. El otro momento importante es la procesión de los barcos Funatogyo, cuando las mismas 3.000 personas abordan unos 100 barcos cerca del Puente de Tenmabashi y navegan río Okawa.Al crepúsculo, se reflejan los barcos iluminados con fuegos de grandes fogatas que se encienden para iluminar el ambiente en la superficie del río. Y en las riberas se encuentran cientos de quioscos de ventas de comida, golosinas y de juegos que disfrutan los niños. Los ciudadanos y turistas disfrutan además del Suito-sai Hono Hanabi que consiste en los fuegos artificiales que se despliegan en el lugar al mismo tiempo que el desfile de los barcos.Este festival se celebra anualmente el 24 y 25 de julio y comenzó en el año 951. Durante el período Edo cuando Osaka era considerada el mercado de Japón, el festival de Tenjin Matsuri se convirtió en el acontecimiento principal del verano en la metrópoli del agua. Se realiza para expulsar a los espíritus malvados del verano y como homenaje póstumo para el alma de Sugawara-no-Michizane, erudito principal de la corte de la era Heian.Los momentos culminantes de la fiesta son Yoimiya-sai en el 24 de julio y Honmiya-sai el 25 de julio. En la mañana del 24 de julio, un ritual llamado Hokonagashi Shinji se realiza para orar para el éxito de la fiesta. Un kamihoko de madera se suelta en el río Dojima desde Hokonagashi-bashi (el puente). Por la tarde, Ujiko Junkou (las actuaciones del taiko y baile del dragón) tiene lugar en los lugares del templo.Este acontecimiento, también conocido como el festival del fuego y del agua debido a su combinación hermosa de las hogueras, de las linternas y de los fuegos artificiales reflejándose sobre la superficie del río de Okawa, es un evento digno de disfrutar y sirve para conocer el carácter alegre y extrovertido de los habitantes de Osaka.

El Templo de Tenryū-ji y sus lotos

2008-07-25T01:46:00.003+09:00

Terminando con mi periplo de la senda del loto visitamos el Templo de Tenryū-ji en Arashiyama, Kyoto. Antes del edificio principal se encuentra el estanque con las flores, según mi amiga la señora Kondo es una lagunita.

Tenryū-ji (el Templo del Dragón Celestial), está localizado en el distrito de Sagano en Kyoto, es el templo sede de la secta Budista Zen Rinzai. Se estableció en 1339 por el shogun Ashikaga Takauji (1305-58) en memoria del Emperador Go Daigo (1288-1339), quién murió desterrado en Yoshino por el propio Ashikaga, después de la guerra civil. El eminente sacerdote Zen Muso Soseki (1275-1351) fue designado el abad del templo.

El sitio de Tenryū-ji había estado antes ocupado por el pequeño templo Danrin-ji, establecido en el siglo noveno a principios de la era Heian (794-1185), considerado históricamente como el primer templo Zen en Japón. En el siglo XIII el Emperador Kameyama (1249-1305) construyó en 1256 una magnifica villa en la propiedad, diseñada por el sacerdote Rankei para el emperador Go Saga. Aquella villa sería convertida en el templo Tenryū-ji a inicios del periodo Muromachi (1333-1573).

Para financiar la construcción del templo, Muso Soseki envió una delegación, conocida como la Nave de Tenryū-ji, en una misión de comercio a China gobernada por la dinastía Yuan. Hacia 1343 la mayoría de los edificios mayores del templo estaban construidos. El linaje de Soseki prosperó, jugando un papel principal en la cultura literaria Zen siendo conocido como el bungaku del gozan. El propio Tenryū-ji se alineó como el primero de las “Cinco Montañas Zen de Kyoto” (el gozan de Kyoto).

A través de los siglos desde que fuera fundado el templo de Tenryū-ji ha sido asolado por ocho incendios, el más reciente en 1864. La mayoría de los edificios actuales son sólo del periodo Meiji (1868-1912).

Sin embargo, el jardín del paisaje detrás del Hojo (el Vestíbulo Principal) es uno de los más antiguos en Japón, mantiene la misma forma como cuando se diseñó por Muso Soseki en el siglo XIV. Conocido como el Jardín de Sogenchi, fue designado por las Naciones Unidas como Patrimonio de la Humanidad.

El Templo de Kajū-ji

2008-07-24T15:35:00.005+09:00

En la búsqueda del loto florecido visitamos el tercer templo en Kioto. El Kajū-ji cerca de la estación de Ono.

El Templo de Kajū-ji, (también conocido como Kikko-san) fue fundado en 900 D.C. por el Emperador Daigo, por lo tanto tiene más de mil años de historia. El sitio fue escogido porque la esposa del Emperador había vivido una parte sustancial de su vida en el lugar. Después de que la madre del Emperador falleciera él pidió que este templo se construyera para que pudieran ofrecerse las oraciones a ella. Los príncipes de la familia real se quedaban aquí.Desgraciadamente muy poco del templo original sobrevive ahora. Como la mayoría de los templos de Kyoto se destruyó por los incendios y las guerras. El Kajū-ji se destruyó en gran magnitud en la Guerra de Onin en 1470. El templo se restauró con la ayuda de la familia Tokugawa y la Casa Imperial. Posee un jardín, conocido como el “Kajü-ji Hyochien”, que tiene en su centro un estanque llamado “Himuro no Ike”. Se usaron las montañas más allá del jardín como una parte del diseño, lo que le da una belleza tridimensional.
En el periodo de Heian antiguo (794-1185), todos los años cada 2 de enero se dedicaba el hielo que cubría el estanque de este jardín a la corte imperial y la situación de la cosecha de grano del próximo año era adivinada por el espesor del hielo. Es por consiguiente uno de los estanques más prominentes del antiguo Kioto. Una linterna localizada en el jardín delantero de la casa del estudio se donó por Mitsukuni Mito, un señor local de una provincia en la región de Kanto. Con su forma cómica, es conocida como la “la linterna estilo Kajū-ji”. La linterna se flanquea por un arbusto de hoja perenne, “Haibyakushin” que pertenece a la familia del ciprés japonés. Se dice que este Haibyakushin “venerable” tiene más de 750 años.

Hokongo-in

2008-07-23T18:03:00.004+09:00

En la senda del lotoNuevamente visitamos un templo buscando los lotos florecidos, esta vez fuimos al Hokongo-in al frente de la estación de Hanazono en Kyoto.
Aproximadamente en el año 824, Kiyohara-no-Natsuno, construyó una villa en la base de la colina de Narabi, que se convirtió en un templo llamado Narabigaoka-dera después de su muerte. A principios del siglo 9 los emperadores Saga, Jonna y Nimmyo frecuentemente lo visitaron, disfrutando de la belleza natural de la colina en cada estación del año.En el año 850 aproximadamente, el Emperador Montoku construyó un pequeño monasterio y lo nombró Tennan-ji, después del último año de su reinado. Pero, en la mitad del Periodo Heian el Tennan-ji cayó en decadencia. Entonces en 1129, Taikenmon-in, emperatriz del jubilado emperador Toba, restauró el templo y lo renombró el Hokongo-in (el Templo de la Ley del Diamante). Como Taikenmon-in era la madre de Sotoku el emperador que reinaba, el Hokongo-in disfrutó de una gran prosperidad.
En el centro de sus tierras la emperatriz construyó un gran jardín con un inmenso estanque y al norte donde se encuentra la colina, una cascada de piedras grandes, nombrada Seijo-taki -La Diosa de la Escarcha y Caídas de Nieve.Hacia el oeste del estanque se encuentra el Nishimi-haga (el Vestíbulo Oriental Principal) con una imagen sentada de Amida, el Buda de la Tierra Pura Occidental. Al sur un Vestíbulo de Nueve Amida (sus imágenes significan las nueve calidades de nacimiento en la Tierra Pura de Amida) y al este se encuentra la residencia de la emperatriz, el Nyonin-Gosho (el Palacio de Mujeres) Se necesitaron once años para completar el jardín y todos los edificios.Hokongo-in sirvió como un centro de Amidismo para la nobleza Heian, reflejando el deseo de escapar de los dolores de la existencia y de la rueda del renacimiento y ascender lo más pronto a la Tierra Pura de Amida, desde donde el paso al Nirvana sería mucho más fácil. Se inmortalizaron el templo y la belleza de su entorno en las antologías de la poesía imperiales, por los poeta-cortesanos de Heian y el sacerdote-poeta, Saigyo.En el periodo Temprano de Kamakura (1186-1333) el templo de nuevo cayó en decadencia, pero en 1276 el monje Do-o, también llamado Enkaku Joman Shonin restauró sus fortunas. Do-o era famoso por extender la práctica del yuzu nembutsu, cuyo mérito consistía en que todo aquel que invocara el nombre de Amida para la salvación podría salvar a otros también.En 1573, Hokongo-in se dañó por un terremoto y sólo uno de sus edificios se restauró. En 1615, el presente Rai-do (el Vestíbulo Principal) y una biblioteca del sutra se construyeron por otro monje-restaurador, Choroshochin que había sido llamado del Sennyu-ji. Cuando, en 1939, se aumentó la anchura de la avenida Marutamachi, fueron consolidados varios edificios al sur y se movieron a los recintos presentes. En ese momento el estanque del jardín y la cascada también fueron restaurados. Este estanque y caídas son un ejemplo raro de un jardín del Periodo Heian.

Lotos en Mimuroto-ji

2008-07-16T23:45:00.005+09:00

En esta época florece la flor de loto en los templos budistas. Así que visité varios en Kioto para observar un regalo de la naturaleza de plena belleza en medio del calor agobiante del verano japonés.
En el templo de Mimuroto-ji el 11 de julio se realiza un evento muy especial y que consiste en tomar sake en la hoja de loto. Las primeras 300 personas que llegan tienen derecho a beber este líquido espirituoso. El loto ha venido floreciendo en lagunas y pantanos desde mucho antes de la aparición del ser humano. Es mencionado en los textos antiguos como El Antiguo Testamento, el Shi-King (Libro Chino de Canciones) y en el Kojiki (Antiguas Leyendas del Japón). Su nombre japonés “hasu”, se deriva de otra palabra japonesa “hachisu” (colmena), por la apariencia de su receptáculo.
El loto (Nelumbo nucifera) es la planta sagrada del Japón y flor nacional de la India.
En el Asia Oriental presenta numerosos aspectos, pero los principales resultan de la particularidad de esta flor que se abre en la superficie de las aguas estancadas. Es símbolo de pureza, ya que surgiendo de las aguas estancadas no está manchada por ellas.
La literatura japonesa utiliza el loto como imagen de la moralidad. Su nombre científico es Nymphaea caerulea, procede de Asia y se encuentra en zonas pantanosas, por lo tanto es una planta acuática de grandes hojas y redondas de color verde azulado. Existen una gran variedad, sólo en China se conocen más de 300.

La anguila falsa o Unagi chino

2008-07-10T00:38:00.002+09:00

Otro escándalo alimentario sacude a Japón. Esta vez denunciaron a principios de mes que se vendieron anguilas chinas como producidas en Japón. Según afirman los noticieros dos compañías están involucradas: Shinko Gyorui S.A. en Kobe y Uohide en Osaka.
Las dos compañías son sospechosas de haber vendido unos 3.600 kilos de anguila asada a la parrilla falsamente etiquetada a tres comerciantes al por mayor entre el 15 de abril y el 13 de junio, violando la Ley de Prevención de Competición Injusta.
Uohide etiquetó la anguila criada en China como anguila cultivada en la Prefectura de Aichi, usó la etiqueta de una compañía ficticia y las vendió a Shinko. Los dos colaboraron entonces vendiendo estos productos a otros comerciantes al por mayor.
Se cree que Uohide ha ganado por lo menos 200 millones de yenes, ya que la anguila asada en parrillas domésticamente se vende dos a tres veces más cara de aquellas que se cultivaron en China.

Según informes policiacos las dos empresas vendieron unas 256 toneladas o 2 millones de anguilas a comerciantes al por mayor. Uohide pagó aproximadamente 440 millones según informaciones para comprar las anguilas y recibió aproximadamente 730 millones de yenes de Shinko.
Este fraude es un nuevo golpe para la credibilidad de los consumidores nipones que se vanaglorian de su sistema honesto y seguro en cuanto a la alimentación.

Sobre todo que ahora el 28 de julio se celebra el tradicional Doyo no Ushi no Hi (el día del buey de verano) 土用の丑の日. Según el antiguo calendario solar es el día más caluroso de la temporada y los japoneses comen anguila (Unagi) para recuperar las vitaminas y las sales minerales.

Fuente Japan Times: viernes, 4 de julio de 2008

Kyoto Concert Hall

2008-07-03T23:23:00.005+09:00

Muy cerca del Jardín de las Bellas Artes, de Tadao Ando, se encuentra el Salón de Conciertos de Kioto o Kyoto Concert Hall, construido por Arata Isozaki, arquitecto de fama internacional.
Isozaki, uno de los arquitectos más importantes de los años 70 y de los 80, fue originalmente un estudiante asociado a Tange, que también basó su estilo en la tradición de Le Corbusier. Pero posteriormente su atención se centró hacia la exploración de formas geométricas y de siluetas cúbicas. Él sintetizó conceptos occidentales de alta tecnología del edificio con ideas espaciales, funcionales y decorativas típicas de Japón creando así un estilo japonés moderno.El Kyoto Concert Hall es un edificio de 5 plantas concebido para conmemorar el 1200 aniversario de la fundación de la ciudad de Kyoto. Fue inaugurado en marzo de 1995 y desde entonces tiene con fin la difusión de la música selecta, instrumental o coral.
Principalmente tiene dos salas de conciertos: La Sala Principal, con capacidad para 1833 asientos y un pequeño Ensemble, de planta hexagonal, diseñado para conciertos pequeños y para música de cámara, con 500 butacas. Además, se encuentran oficinas y grandes y espaciosas salas de espera. El ingreso al recinto no se da por la fachada principal, sino por la lateral. Algo hecho a propósito por el propio Isozaki, “hice la aproximación al edificio espacialmente compleja y difícil de entender... la forma en que el Salón se alarga, doblándose en varias formas y ascendiendo en espiral. La aproximación a un templo de Kioto nunca es directa. Se dobla y curva. Esa es la técnica que usé para hacer que un pequeño espacio parezca más extenso. Usé una técnica tridimensional, no bidimensional”.
En la esquina, se presenta un imponente cono dispuesto sobre una película de agua y cuya función principal es albergar el Ensemble y las rampas helicoidales de circulación que ascienden y conducirán a los espacios superiores. En su primera planta, este cono truncado alberga un restaurante de comida. En el centro de esta estructura helicoidal nos encontramos con un espectacular el diseño: Sus paredes no se hallan verticales, sino inclinadas en sentido opuesto a la generatriz del cono, conteniendo una serie de doce columnas que evocan los signos del Zodíaco, símbolos de la antigua astrología oriental. Su cielorraso es una trama triangular de vigas y el diseño de su piso crea una ilusión óptica que recuerda a las de perspectivas imposibles de Escher.

Secuencias espaciales al aire libre

2008-07-02T13:18:00.001+09:00

El Jardín de las Bellas Artes en Kyoto es un espacio que deleita a los visitantes no solo por su original tipo de construcción, sino porque es un remanso de paz en medio de la ruidosa ciudad. Fue concebido por Tadao Ando como un museo al aire libre para el disfrute de obras maestras del arte occidental y japonés en contacto con fenómenos naturales como la luz, el viento y el agua. Es un recinto organizado en tres niveles mediante rampas y pasarelas en diagonales.

La sensación de ir caminando por geometrías oblicuas e inclinadas es algo que resalta y llama la atención. La característica principal son los muros lisos de hormigón desnudos. El agua cae en cascadas por superficies rugosas produciendo un sonido distinto según el nivel en que uno se encuentre. En este ambiente el paseante puede contemplar reproducciones de obras famosas como La última cena, de Leonardo da Vinci y El juicio final, de Miguel Angel. Su construcción comenzó en julio de 1992 y se inauguró en marzo de 1994. Se encuentra ubicado en la avenida Kitayama dori, al lado del jardín botánico.

Creo que no hay mejores palabras para definir la belleza y la concepción del Jardín de las Bellas Artes que las pronunciadas por Tadao Ando, cuando recibió el Premio Pritzker de Arquitectura en 1995: “La arquitectura sólo se considera completa con la intervención del ser humano que la experimenta. En otras palabras, el espacio arquitectónico sólo cobra vida en correspondencia con la presencia humana que lo percibe. En nuestra cultura contemporánea, en la que todos estamos sometidos a una intensa estimulación exterior, en especial por el medio electrónico, resulta crucial el papel del espacio arquitectónico como refugio del espíritu”.

Mimuroto-ji, el templo de las flores

2008-06-25T22:59:00.003+09:00

Mimuroto-ji, localizado en la ciudad de Uji, al sur de Kioto, es uno de los lugares más famosos para mirar las hortensias (ajisai). Este templo es también famoso por el tsutsuji (azalea) y el hasu (loto).
El templo de Mimuroto-ji es la décima parada de los treinta y tres sitios de la Peregrinación Saigoku Kannon. Kannon (a veces Kanzeon o Kwannon) es el nombre japonés para el bodhisattva Avalokitasvara, o Bodhisattva de la Compasión, una de cuyas 33 manifestaciones (la única mujer) corresponde al bodhisattva chino Kuan-yin, conocido en el Oeste como la “Diosa de la Misericordia”. Es la más famosa de las peregrinaciones japonesas, que abarca desde el Lago Biwa a Kobe. El patio del templo está lleno de maceteros con plantas de loto y un monumento conmemorativo al lado del campanario es asociado con Ukifune en El Cuento de Genji, la obra maestra de Murasaki Shikibu escrita a principios del siglo XI. De sus 54 capítulos, los últimos diez son conocidos como el “Uji-jujo”, ya que las escenas de estos capítulos se desarrollan principalmente en Uji.
Mimuroto-ji es popularmente conocido como el “Templo de las Flores” (Hana no Tera). Posee muchas obras de arte del periodo Heian (794-1185) y la Casa del Tesoro es reconocida por preservar una escultura de la imagen de Shakyamuni Buda. Se dice que el Templo de Mimuroto-ji fue construido en el siglo VIII por demanda del Emperador Konin. Fue reconstruido después de que se quemara completamente en un incendio de 1460. Los edificios actuales se reconstruyeron a principios del siglo XIX.

Ajisai en Mimurodo-ji

2008-06-24T23:06:00.003+09:00

Visitamos el templo de Mimurodo-ji, en Uji, para admirar su famoso jardín de Ajisai.

Ajisai (紫陽花 o アジサイ) significa “hortensia”. Esta planta florece en la temporada de lluvias y dura varias semanas. En esta época los japoneses admiran su florescencia y constituye un verdadero motivo de peregrinación a los templos y jardines en donde se encuentra. La hortensia pertenece a la familia de las Hydrangeaceae y es un género de aproximadamente 100 especies. Las plantas son nativas de Asia del sur y oriental (de Japón a China, los Himalayas e Indonesia) y también en Norteamérica y Sudamérica. Pero la diversidad más grande de la especie está en Asia oriental, notablemente en China y Japón. La mayoría son arbustos de 1 a 3 metros de alto, pero algunos son árboles pequeños, y pueden ser de hoja caduca o perenne. En la mayoría de las especies las flores son blancas, pero en algunas especies (notablemente el Hydrangea macrophylla (Hydrangea de hojas grandes) puede ser azul, rojo, rosa, o púrpura. En estas especies el color exacto depende a menudo del pH de la tierra; las tierras agrias producen las flores azules, las tierras neutras producen los pétalos de crema muy pálidos y las tierras alcalinas producen colores en rosa o púrpura.
A continuación transcribo dos haikus con el tema del ajisai.

紫陽花や　帷子時の　薄浅葱
ajisai ya / katabiradoki no / usuasagi.

Matsuo Basho

紫陽花や青にきまりし秋の雨
ajisai ya/ ao ni kimarishi/ aki no ame

Masaoka Shiki

Estas hortensias
ellas son ahora todo el azul
la lluvia del otoño

La fama de Takashi Miike

2008-06-22T11:01:00.003+09:00

La fama meteórica de Takashi Miike en los primeros años del nuevo milenio se debe a una película: Audition. Entonces quedó claro para muchos que este director había hecho mucho más de una película. Y si uno estudia la filmografía de Miike quedará pasmado por su productividad (cincuenta películas, tres series de televisión, dos videos de música, un documental, y un comercial en once años) lo que ayudó a formar su leyenda, y a preguntarnos como hizo con esta gran cantidad de filmes para cruzar límites aceptados de exceso y mantener la calidad en su trabajo. Películas como Muerto o Vivo, Visitante Q, e Ichi el Asesino, con sus temas y escenas potencialmente ofensivas, todavía provocan discusiones feroces sobre los méritos de su trabajo, mientras que las mismas películas crean a través del mundo un círculo creciente de fanáticos entusiastas. Miike debutó como director en 1991, después de pasarse varios años trabajando como ayudante, de directores de cine como Shohei Imamura, en Zegen (1987) y Lluvia Negra (1989 en la que él puede verse brevemente como un actor), Toshio Masuda, Hideo Onchi, y Kazuo Kuroki.
La película Shinjuku Tríada Sociedad (Shinjuku Kuroshakai: China Mafia Senso) normalmente se ve como el punto de partida de Takashi Miike el artista. Aunque muchos de sus temas ya estaban presentes en otro filme de yakuza que él hizo: Shinjuku Outlaw.
Shinjuku Tríada Sociedad era una película muy completa en todos los aspectos: El actor Sabu (años después director) interpreta en un papel de apoyo, el descenso de un policía chino-japonés cuya persecución de un delincuente taiwanés perturbado, a través de las calles encendidas de luces de neón en el distrito de Shinjuku de Tokio, lo confronta finalmente con su propia herencia y el pasado que él ha intentado esconder para tener éxito en la sociedad japonesa. La película contiene todos los temas que vendrían a dominar el trabajo de Miike: el desarraigo de los seres humanos que se sienten aislados de la cultura en que viven, quienes buscan un lugar dónde ellos sean aceptados, aunque saben al mismo tiempo que tal lugar es meramente una fantasía nostálgica. Es la separación de los caracteres, esa doble personalidad y la tristeza inherente en su dificultad que a menudo resulta en violencia, una violencia que es omnipresente en la Shinjuku Tríada Sociedad.
La película fue la primera parte en una trilogía extraoficial en la que Miike se atrevió a tratar públicamente los temas de desarraigo y desplazamiento de los inmigrantes en la sociedad japonesa. La Shinjuku Tríada Sociedad, Perro Lluvioso y Ley Lines conforman lo que podría considerarse como el espinazo temático del cuerpo de trabajo de Miike. Casi cada aspecto cinematográfico de Takashi Miike puede encontrarse en estas tres películas, aunque él ha ido más allá en la extensa exploración de esos aspectos en las películas siguientes. En una entrevista realizada por Manuel Yáñez y Alejandro G. Calvo durante el festival de Sitges, los días 3 y 4 de diciembre de 2003, Miike declaró:
“Yo entiendo que los distribuidores sólo se acerquen a mis películas más violentas, dado lo peculiar del mundo de los yakuzas y de cómo trato la violencia en ellas. No me siento ni preocupado ni frustrado por que no vean mis otras películas, porque yo sé que hago otras cosas, y no pretendo que se conozca todo de mi... sería imposible. Para mi es suficiente con que conozcan una parte de mi cine y que se diviertan con ella. Mi intención es hacer una película y divertirme con ella, luego, si se distribuye o no, si el público la acepta o no, ya es otra historia. (...)
En los diez años que llevo realizando películas siempre me ha interesado llevar una historia a donde la imaginación nunca haya estado. Sé que ha pasado mi mejor momento a nivel físico, así que estoy en un momento en que disfruto negando la realidad. Quiero llevar mi cine a un sitio más imaginativo, donde nada esté aún creado”.

Filmografía esencial de Takashi Miike.
Sukiyaki Western: Django, 2007; Masters of Horror, (episodio “Imprint/Huella”), 2005-2006; Yōkai daisensō, 2005; Zebraman, Chakushin Ari / (Llamada perdida), Izo: Kaosu Mataha Fujori no Kijin, Paato-taimu tantei 2, 2004; Kōshōnin, Yurusarezaru Mono, Gokudō Kyōfu Daigekijō: Gozu / Gozu, Kikoku, 2003; Jitsuroku Andō Noboru kyōdō-den: Rekka, Dead or Alive: Final, Onna Kunishu Ikki, Sabu (TV Movie), Shin Jingi no Hakaba, Pandora, Kinyu Hametsu Nihon: Togenkyo no Hito-bito / Shangri-la, 2002; Family, Visitor Q, Koroshiya Ichi / Ichi the Killer, Araburu Tamashii-tachi / Agitador, Katakuri-ke no Kōfuku / The Happiness of the Katakuris, Zuido Genso: Tonkararin Yume Densetsu, Kikuchi-jo Monogatari: Sakimori-tachi no Uta, 2001; Hyoryuu-gai, Tengoku Kara Kita Otoko-tachi, Dead or Alive 2: Tobosha, Tsukamoto Shinya ga Rampo, 2000; Nihon Kuroshakai / Ley Lines, Silver, Dead or Alive: Hanzaisha / Dead or Alive, Salaryman Kintaro, Audition, 1999; Chugoku no cojín, Andromedia, Kishiwada Shonen Gurentai: Bokyo-hen, Blues Harp, 1998; Kishiwada Shonen Gurentai: Chikemuri Junjo-hen, Jingi Naki Yabo 2, Full Metal Gokudo / Full Metal Yakuza, Gokudo Kuroshakai / Perro lluvioso, 1997; Shin Daisan no Gokudo 2, ShinDaisan no Gokudo: Boppatsu Kansai Gokudo Senso, Osaka Saikyo Densentsu: Kenka no Hanamichi, Jingi Naki Yabo, Rakkasei / Peanuts, Kenka no Hanamichi: Oosaka Saikyo Densetsu, Gokudo Sengokushi: Fudo / Fudoh: The New Generation, 1996; Daisan no Gokudo, Bodyguard Kiba: Shura no Mokushiroku 2, Nani wa Kinyuden, Minami no Teio: Special Gekijyoban (dir. Sadaaki Haginiwa) – productor, Nani wa Yukyoden, Shinjuku Kuroshakai: China Mafia Senso / Shinjuku Triad Society, 1995; Shinjuku Outlaw, Bodyguard Kiba: Shura no Mokushiroku, 1994; Bodyguard Kiba, Oretachi wa Tenshi ja Nai 2, Oretachi wa Tenshi ja Nai, 1993; Ningen Kyoki / Human Murder Weapon, 1992; Toppuu! Minipato tai / Eyecatch Junction, Ai to Urugari no Hyaku-oku Yen / Last Run, Koroshi no Prelude / Lady Hunter, Shimanto-gawa (dir. Hideo Onchi) – asistente jefe de director, 1991; Peesuke: Gatapishi Monogatari (dir. Shuji Goto) – asistente de director, Ronin-gai (dir. Kazuo Kuroki) - assistant director, 1990; Kuroi Ame / Lluvia negra (1989, dir. Shohei Imamura) – asistente de director, 1989; Kujaku O, 1988; Zegen (1987, dir. Shohei Imamura) – asistente de director, 1987.

Kishiwada Shōnen Gurentai: Bōkyō

2008-06-09T11:18:00.003+09:00

Kishiwada Shōnen Gurentai: Bōkyō nos muestra la preadolescencia de Riichi Nakaba en los años 60. Adentrándose con muchos más detalles en la relación del muchacho con su padre, el pelafustán, Toshio, interpretado por Naoto Takenaka. El retrato de Miike de su niñez y adolescencia es nostálgico y casi idílico, algo recurrente en Takashi Miike en sus numerosas películas. El accionar de los chicos y sobre todo del más joven de los niños y el más capaz ellos es de supervivencia, felicidad e imaginación. La nostalgia se nos presenta con niños que incluso no han alcanzado todavía la pubertad y mientras ellos aparecen en gran parte de la película con las caras machucadas, ningún daño se hacen en la vida real. Cuando un Toshio ebrio le da una paliza a su hijo Riichi, el muchacho recuerda la mayoría de las huelgas de tiempo atrás. La atadura entre los dos se pone más firme realmente después de que Riichi, diez años más viejo, le da una paliza legítima a su padre con un bate de béisbol.

Pero ciertamente de violencia no es toda esta película. Reconstruye también toda una época: el momento de la llegada del hombre a la luna; de los movimientos obreros y estudiantiles, como mayo del 68; los jóvenes hippies y las canciones típicas de los sesenta. En este sentido, aunque Miike se atreve a tomar vuelos de imaginación imaginativa, nunca pierde de vista la realidad, en todo momento siempre preserva sus caracteres genuinos, si ellos son niños o adultos. Podemos decir que ejecuta la gama de emociones con una habilidad admirable: las aventuras de Riichi son a su vez cómicas, conmovedoras, tristes, o excitantes.

Esta manera respetuosa, casi misericordiosa, en que el director trata a sus actores y la subsistencia de los caracteres hace que la película esté libre de la monería artificial. Debemos destacar que la narrativa de la nostalgia es principalmente episódica, se recrea un extracto de la vida de su protagonista en lugar de una parcela de la historia. Pero la apelación no está en la parcela, está en el retrato. El protagonista es la base para recrear y hablar acerca de la propia vida de Miike (él y Nakaba son de familias de la clase obrera de Osaka y nacieron en los años sesenta); esta película es quizás la más íntima de Miike. Pero también se atreve ser imaginativo y dar cuenta a la vez de la realidad misma con todas sus contradicciones, cualidad que sólo subraya la calidad de la película.

Llena de elementos autobiográficos de su propia vida, regresa a la juventud temprana de su protagonista en los años sesenta. Lo pone creciendo en una casa rota, con un padre que prefiere el juego por dinero (mientras bebe y duerme con las mujeres que hacen strip-tease) a pasarse tiempo con su esposa subordinada. Miike intentó retratar la niñez con una falta completa de sentimentalismo y logró mostrar una comprensión astuta de la mente de un niño, que traducida a la comedia de la vida, refleja una pintura amable y juguetona de violencia y vuelos ocasionales de imaginación.

El arte de Hideo Takeda

2008-05-28T21:01:00.005+09:00

Hace tiempo fui a mirar una exposición de Hideo Takeda en el museo del manga en Kioto y me impactó su trabajo de la serie “Genpei” una colección de impresiones serigráficas iniciada en 1985 y terminada en 1999. Está basada en las Guerras Genpei (源平合戦), que es el nombre por el que se conoce a los conflictos civiles que tuvieron lugar en el antiguo Japón, entre 1180 y 1185 (finales de la era Heian), y que enfrentó a los clanes Taira, o Heike de banderas rojas y Minamoto, o Genji de banderas blancas. La consecuencia directa de esta guerra civil fue la victoria del clan Minamoto y la consiguiente caída del Taira, lo que puso a los samuráis al mando político y militar de Japón, y permitió el establecimiento del primer shogunato en la historia japonesa, el Kamakura, encabezado por Minamoto no Yoritomo (1192).

Considerado como uno de los más grandes artistas gráficos japoneses contemporáneos Hideo Takeda nació en Osaka en 1948. En 1973 recibió una maestría en escultura de la Universidad de Arte de Tama en Tokio, y en 1976 fue galardonado con el Premio Bungeishunju para caricaturistas. En su arte puede crear en las nuevas dimensiones y todavía desde su propia manera original continuar con la tradición japonesa. Su estilo es su propio estilo. El implanta en su trabajo los problemas esenciales de la vida: erotismo, violencia, belleza y muerte. Su fantasía se destila cuidadosamente en los placeres visuales de las imágenes. Es así como en la “Genpei”, que es considerada la obra maestra de Takeda, él sigue el ejemplo de sus predecesores del siglo XIX, grabando los eventos sangrientos de las grandes guerras civiles del siglo XII.

Al principio cuando uno mira las escenas de las batallas de la serie “Genpei” observamos que la mayoría de las imágenes son bonitas y atrayentes por su gran colorido, a menudo con el fondo de un color oro que, en sí mismo a veces, es la base o la imitación del material de como se montaban los pergaminos tradicionales. Una mirada más íntima, sin embargo, revela un comentario implícito en la brutalidad disimulada de la vida contemporánea -adulterio, enfrentamiento en contra del poder, cuya energía y violencia derivan de una sexualidad frenética. Uno encuentra a muchos guerreros que montan a horcajadas sobre las mujeres desnudas. Se retratan los héroes del siglo XII como guerreros vestidos con armaduras pero con el cuerpo llenos de tatuajes como los yakusas del siglo XX, aunque ellos estén portando cascos medievales. La explicación que da Takeda de una de las imágenes explica en cierto modo su visión: “Es menos una imagen histórica de Minamoto no Yoritomo, y más una visualización de este guerrero antiguo”.
Takeda siempre ha afirmado que él es un dibujante y no un artista, y al igual que un caricaturista debe necesariamente ser un maestro de la línea. Pero, de hecho, la brevedad de su línea le debe mucho a la tradición japonesa del haiga.

En sus temas Takeda abarca una amplia gama: los dibujos animados que representan el humor, patetismo, la crueldad y el enorme absurdo de la vida urbana contemporánea; los grabados de pantallas en su serie “MonMon”, tomando como asunto básico los complejos tatuajes utilizados por el gangster japonés (1976); las estructuras esqueléticas de las aves y los animales, realizadas en blanco sobre negro, para crear modelos de gran agudeza visual (su serie “Altamira” de 1979).
Takeda es uno de los artistas más reconocidos internacionalmente y ha tenido numerosas exposiciones individuales, sobre todo una gran exposición en el Museo Británico en 1993. Cerca de diez libros se han publicado acerca de sus dibujos animados y series de grabados. Sus obras se encuentran en varias importantes colecciones, entre ellas el Museo Británico, la Biblioteca Británica y el museo de Arte de la ciudad de Itami en la Prefectura de Hyogo.
El arte de Hideo Takeda es muy diverso y siempre extremadamente imaginativo, que desafía la clasificación y está más allá de las expectativas del espectador; perturbando muy a menudo, incluso asustando.

“Yo no sólo pienso en los espectadores de Japón, sino que también alrededor del mundo puedo apreciar el sentido sofisticado de humor que puede mostrarse en los dibujos animados. Del principio yo he querido mi trabajo pueda ser disfrutado por un público muy amplio”. Según él un artista establece un estilo personal y distintivo y normalmente adhiere a él. Y por lo tanto, está limitado por él para la mayoría de su carrera. Por otro lado, un caricaturista tiene que ser flexible, capaz y deseoso alterar su estilo e interpretación para llevar bien su mensaje. Afirma tajante: “Ningún estilo es mi estilo”.

武田秀雄 Hideo Takeda. Official Site http://takeda.cooh3.com/index.html

Yakudoshi, los años de infortunios

2008-05-26T10:30:00.005+09:00

En el libro Understanding Japanese Society, de Joy Hendry, se plantea, en uno de sus capítulos, que en muchos estudios antropológicos el ritual y la religión están estrechamente relacionados, aunque en las sociedades complejas no hay a menudo ninguna conexión particular entre ellos. También el término “Ritual” puede referirse al comportamiento, como los considerados de etiqueta que se deciden por la sociedad y en donde los individuos tienen la pequeña opción sobre su ejecución. En Japón hay muchos comportamientos que entran en esta categoría. Uno de ellos es el ritual, celebrado por la sociedad, asociado con el ciclo de la vida y con el pasaje de las personas japonesas a través de varias fases de la vida y de la muerte.

Entre ellos tenemos el yakudoshi, (que significa los años de calamidad) un ceremonial individual de la vida adulta que está asociado con ciertos años de edad cuando se piensa que las personas pueden ser particularmente vulnerables a enfermedades u otros infortunios. Las edades involucradas son 33 para las mujeres y 42 para los hombres. En algunas regiones se cree que el año anterior y posterior al cumplir esta edad tampoco es bueno y es conocido como maeyaku, el año anterior, y atoyaku, el año posterior.
Así, una visita del Año nuevo a un santuario es un momento apropiado para comprar un amuleto para protegernos, incluso se puede pedir un rito de protección para ser realizado por un sacerdote Shinto.

Existen varios santuarios que se especializan en esta actividad y en algunas áreas y regiones del país se organiza una fiesta y se entregan regalos apropiados a la ocasión.
Aunque generalmente se considera que las edades difíciles para los hombres son las edades de 25, 42 y 61, y para mujeres las de 19, 33 y 37, con algunas variaciones locales e históricas, los años más peligrosos y malos son los 42 para los hombres y 33 para las mujeres. Esto probablemente es porque los números 42 y 33 son fonéticamente los números desafortunados. Pueden pronunciarse “42 = shi-ni” que es homófono con la palabra “muerte”, y 33 = sanzan, cuando es pronunciado puede significar “difícilmente”, “terrible”, o “desastroso”.

Hendry, Joy. Understanding Japanese Society, RoutledgeCurzon, U.S.A., Third Edition, 2003. 265 págs.

Desaparece Kuidaore Taro, símbolo de Osaka

2008-05-22T09:43:00.003+09:00

Esta semana fui a visitar el barrio de Dotonbori en Namba para fotografiar el muñeco que golpea el tambor. Unos de los símbolos de Osaka y cuyo destino parece incierto después que el restaurante Osaka Meibutsu Kuidaore, fundado en 1949, enviara un comunicado a los medios de comunicación para anunciar que cerrará el 8 de julio de este año, debido a las dificultades económicas y al envejecimiento de su edificio.

Delante del restaurante se encuentra Kuidaore Taro, el payaso mecánico que toca el tambor y vestido con un traje de payaso rayado con un sombrero puntiagudo… Es conocido también como Kuidaore Ningyo y se instaló en 1950, transformándose al instante en una atracción turística popular. Más ahora en que cientos de miles de japoneses y muchedumbres de turistas esperan el giro de su cabeza pacientemente para sacar una foto en ese momento.

El fundador del restaurante Kuidaore, Rokuro Yamada, había instruido a su hijo y dueño actual, Shohei Yamada, de resguardar y mantener el restaurante como un negocio familiar, no abrir otras ramas y cuidar de Taro. Desde que el restaurante anunció su cierre a principio de abril, después de estar funcionando casi 60 años, se ha inundado de ofertas (más de 100 según informes) para comprar y alquilar su mascota por parte de las compañías y grupos de negocio de todo país.

Como un destino turístico doméstico, Osaka es conocida por su comida, y Dotonbori es el destino principal para el viaje de comida en Osaka. Siempre es destacado en las guías para los turistas extranjeros y nacionales. En Osaka el arte culinario regional incluye el okonomiyaki (una especie de tortilla batida frito a la plancha), takoyaki (los bollos rellenos de pulpo), udon (un plato del tallarín), así como los sushi regionales y otras tradicionales comidas japonesas.

Si uno viaja a Osaka puede sentir el pulso de la ciudad aquí en este distrito de placer de Dotonbori, que bulle con sus teatros circundantes, tiendas, restaurantes y el neón brillando intensamente. Lamentablemente, parece que ya no veremos a Kuidaore Taro, que después de los títeres del bunraku, ha encantado a los visitantes y transeúntes durante décadas, convirtiéndose en todo un símbolo no sólo del restaurante, sino que también del distrito de Dotonbori de Osaka.
“Simplemente como la Estatua de Libertad, este muñeco debe instalarse en un lugar prominente donde las personas puedan admirarlo, después del cierre del restaurante”, dijo un hombre de 70 años que vino de Nara.

Hikikomori, dejando el sol afuera

2008-05-16T21:06:00.004+09:00

Leyendo el libro de Michael Zielenziger, Shutting out the sun. How Japan created its own lost generation, uno de los primeros aspectos que se examinan es la condición del hikikomori, los hombres jóvenes que se encierran con llave en sus cuartos para encontrar un pequeño solaz en una de las sociedades más grandes y pobladas. Después de entrevistarse con varios de ellos, con sus padres y cuidadores, y con el afán de encontrar alguna explicación en sus historias trágicas para el bloqueo social contemporáneo de Japón, el autor piensa y especula que la propia estrategia de supervivencia de Japón puede parecerse a la de los hikikomori, ellos se niegan al entorno y no logran la madurez necesaria para adaptarse al medio. Es decir, cierran la puerta y dejan el sol afuera.
Actualmente, en Japón, se estima que existen un millón doscientos mil hombres y muchachos que han escogido retirarse completamente de la sociedad. Estos solitarios se esconden en sus casas durante meses o años, negándose a dejar las paredes proteccionistas de sus dormitorios. Algunos de ellos están tan asustados como niños pequeños abandonados en un bosque oscuro. Enclaustrados por decisión propia pasan sus días jugando con sus consolas de videojuegos. Unos pocos -se estima que el 10 por ciento- son adictos al Internet. Muchos sólo leen libros, mangas o se pasan bebiendo cerveza y shochu. Otros no hacen nada durante semanas. Son incapaces de trabajar, asistir a la escuela o actuar recíprocamente con los extraños. Estos hombres -el 80 por ciento de hikikomori son varones- no pueden diagnosticarse como esquizofrénicos o deficientes mentales. Ellos no son depresivos o psicópatas; ni tampoco son el agorafóbico clásico que teme a los espacios públicos y abiertos. Generalmente cuando los siquiatras evalúan a estos hikikomori usando el Diagnóstico y el Manual Estadístico, o DSM IV, la guía normal que se usó en el Occidente para diagnosticar los desórdenes mentales, se dan cuenta que sus síntomas no pueden atribuirse a cualquier dolencia siquiátrica conocida. En cambio, los siquiatras japoneses dicen que el hikikomori es un desorden social que sólo recientemente ha sido observado, y que eso no puede encontrarse dentro de otras culturas. Hay un gran misterio atado a esta patología, uno que despierta la curiosidad de alguien que espera sondear la condición del Japón moderno.
Conozco dos mangas que se publican sobre esta patología, uno se llama NHK ni Yōkoso!, en el cual se presenta un intento de terapia y solución a esta aflicción y el otro Sayonara zetsubou sensei que trata de una estudiante hikikomori, ambos reflejan lo que es la vida de un Hikikomori.

Zielenziger, Michael. Shutting out the sun. How Japan created its own lost generation, Firts Vintage Departures Edition, EE. UU., 2007. 340 págs.

El arte de Kyosai

2008-05-14T13:56:00.004+09:00

El fin de semana pasado fui al Museo Internacional del Manga en Kyoto a observar la exposición de Kawanabe Kyōsai (河鍋暁斎 Koga, prefectura de Ibaraki, 1837 – 1889). Este gran artista vivió durante la transición de la Era Edo a la Era Meiji, y fue testigo de la transformación de Japón de un estado feudal a un estado moderno; hecho que plasmó a través de caricaturas satíricas de carácter político. Estudió a una edad temprana bajo la tutela de Kuniyoshi Utagawa y después fue un aventajado alumno de la escuela Kano, pero adoptó su propia manera independiente en sus pinturas. Esencialmente es un pintor nacionalista. Aunque él era consciente y tenía gran conocimiento del arte occidental no sucumbió, como tantos de sus contemporáneos, a las lisonjas de estilos extranjeros que llegaron con la apertura Meiji. Fue uno de los últimos grandes pintores en la tradición verdaderamente japonesa. Se le reprocha su exuberancia: a pesar de que él pinta vigorosamente con un cepillo lleno, su inmensa bravura y habilidad a veces termina predominando. Pero esta misma impetuosidad y atrevimiento se usa con más mesura en los bocetos más pequeños y en los dibujos y ellos siempre han sido reconocidos y alabados por los críticos y estudiosos de arte occidentales. Kyosai, debido a su personalidad, sus excentricidades y su amor por el sake era una leyenda en vida. La mezcla de las imágenes de Kyosai exige de los espectadores una gran atención porque las escenas son de gran ingenio, imaginación y detalles contundentes casi como las pinturas de Bosch. Por ejemplo, en Bake-Bake Gakkō (化々學校), o “Escuela para Fantasmas”, que es una caricatura satírica de crítica al gobierno Meiji por su decisión de implementar un sistema de educación obligatoria, se puede observar que ambos demonios (arriba) y un kappa (centro) están aprendiendo un vocabulario usado en la vida diaria. Esta clase es enseñada por Shōki, el demonio rechazado, vestido con un uniforme al estilo occidental. Algunos duendes intentan entrar a la escuela (abajo), pero son rechazados por el Dios Viento. No es que Kyosai rechace a Occidente, sino que él está en contra de la idea de la imposición de la cultura Occidental en el japonés. Por eso el estilo, de esta caricatura con su desorden y confusión, su carga casi dominadora de detalles, es una expresión directa de las tensiones, sustos y dolores de un adoctrinamiento impuesto. Las pinturas de Kyosai no son hermosas, a la manera de la belleza del ukiyoe temprano. Ellas son, sin embargo, artística y estéticamente refinadas y, culturalmente, profundamente significantes. Las imágenes de Kyosai no son las fantasías del mundo flotante, a la manera soñadora del siglo XVIII o incluso la manera sobrenatural típica del siglo XIX; más bien él utiliza el material sobrenatural para los propósitos completamente mundanos, expresa la modernización con los fantasmas y demonios, y las guerras modernas con las batallas de ranas, por lo tanto son metáforas de la vida cotidiana.

Sakuran

2008-05-11T20:55:00.003+09:00

Nuestra amiga Betty insistió en que viéramos Sakuran, una película que resultó ser la más taquillera en el año 2007, así que la arrendamos en el Tsutaya y nos dimos un atracón el fin de semana del golden week.
La directora de este filme es una fotógrafa japonesa famosa, llamadaMika Ninagawa. Centrada en la era Edo, reconstruye o recrea el distrito de Yoshiwara, un lugar de vida nocturna que sirvió como un negocio para los placeres de la carne y el mundo de las oiran (prostitutas de categoría), pero lo hace desde una óptica muy positiva desde el punto de vista estético, todo es bello y glamoroso. El mundo real debe haber sido mucho más sórdido y sucio, los kimonos no deben haber sido tan bonitos y coloridos.

En cuanto al trasfondo de la historia se debe entender que las oiran estaban en un tipo de prisión, ellas no podían ir a cualquier parte. Tampoco, ellas podían enamorarse de cualquiera. Y la lucha entre ellas, la competencia para alcanzar la cima, porque había diferencia de clases, era feroz.
Yoshiwara, era un lugar dónde por centenares de años se compraron y vendieron las mujeres, para el placer de la elite, desde los samuráis hasta el más humilde hombre de la clase obrera. Pero habían diferencias, las oiran, solo algunas mujeres alcanzaban tal honor, no eran prostitutas simples -ellas estaban como súper-estrellas-, con mucho impacto en la sociedad. No cualquiera podría volverse una oiran, tenían que tener las habilidades correctas y mucho entrenamiento. La indicación más grande de su estado social era que cuando los clientes venían la oiran se sentaba en el lugar de honor. Tampoco el cliente podía dormir con ella hasta que él hubiera venido a verla tres veces por lo menos. Si no le gustara el cliente ella no tenía la obligación de llevarlo a su cama. Y una vez que un cliente había escogido una oiran, él no podía visitar y tener relaciones con la oiran de otros burdeles.

La heroína de Sakuran es Kiyoha (Anna Tsuchiya, es una cantante muy popular en Japón.), quien fue vendida al burdel de Tamagikuya en Yoshiwara cuando todavía era una niña, lugar que ella siempre odió. En varias oportunidades en un acto de rebeldía ella intentó escapar de sus paredes a la menor oportunidad, pero siempre era traída de vuelta por Seiji (Masanobu Ando), el bancho (el empleado principal) implacable, pero simpático del burdel. Kiyoha crece y se prepara como prostituta bajo la vigilancia de Shohi (Miho Kanno), una oiran sagaz y ambiciosa que la mira hacia abajo como un ser inferior viendo en ella solo a una campesina inculta. Ella sabe que como una prostituta de elite de Yoshiwara cobrará sumas enormes por sus favores y quizás, como Shohi, en el futuro salga del brazo de un patrocinador rico para casarse. Oportunidad que ella sabe es la única vía realista de escape.

A la edad de 17, Kiyoha recibe a su primer cliente, un viejo y amable sibarita (Sadanji Ichikawa) que es un patrocinador de la oiran del burdel. Entre romances y rivalidades, Kiyoha es promovida a oiran, recibe un nuevo nombre -Higurashi- y se vuelve una estrella de Yoshiwara. Finalmente, un samurai rico Kuranosuke (Kippei Shiina), aparece como la respuesta a todas sus oraciones, es el danna que logrará su libertad. Aunque ella ya intuye que ha llegado demasiado tarde.

Sakuran es una película excesiva en recursos de mercadotecnia, el marketing funcionó a full time, no en vano las canciones están interpretadas por la diva Sheena Ringo, cantante del grupo Tokio Jihen, y la música es una mezcla de sonidos y ritmos que van del jazz, el pop, hasta el tango. Expresando lo viejo con una nueva visión Sakuran es en extremo glamorosa, un estallido de color y de un final holliwoodense demasiado perfecto.

El día de los niños

2008-05-06T21:03:00.002+09:00

En todo Japón se celebró ayer el Kodomo no hi (こどもの日) una fiesta nacional japonesa que celebra a los niños varones. Su nombre original era Tango no Sekku (端午の節句). En el año 1948 se fijó la fecha oficial y se declaró festividad nacional el 5 de mayo. En Hirakata en muchos lugares de la ciudad se pueden ver izadas las banderas koinobori en forma de carpa, una por cada niño. Las carpas representan la fuerza, y reflejan la admiración por la destreza de las carpas para subir los ríos contra la corriente. La tradición de colocar estas banderas en forma de tubo con peces pintados data del período Edo y en sus orígenes sólo se colocaba una carpa grande de color negro o magoi que representaba al padre. Hoy en cambio se han agregado carpas de color rojo, azul y unas verde más pequeñas, que representan a los hijos.

También en el interior de las casas las familias colocan unos muñecos (go-gatsu ningyō o muñecos de mayo) que representan a guerreros samurais famosos. Se agregan unos yelmos y armaduras en miniaturas, por ejemplo se muestra el tradicional casco japonés, el kabuto símbolo de un varón fuerte y saludable. Se cree que este casco defenderá al niño de la desgracia y así podrá crecer sano y salvo. Los dulces de esta festividad principalmente son los populares chimaki unos pasteles de arroz envueltos en hojas de bambú y los kashiwa-mochi, pastelitos de arroz rellenos de una pasta de porotitos rojos dulces envueltos en hojas de roble. En Japón el roble y el bambú simbolizan la fortaleza y una vida de éxitos. En Hirakata se prepararon las tiendas con mucha anticipación para esta fiesta y se ofrecían los dulces antiguos y tradicionales (dagashi) junto con los muñecos y carpas, por ejemplo, se podía observar el adorno (kazari) de la réplica de Taisho (un gran jefe militar).

Taiyoshi Hyakuban

2008-05-02T10:26:00.005+09:00

Con nuestras amigas Yumiko y Minako visitamos el Taiyoshi Hyakuban y fue sorprendente, ya que este recinto se ubica en el barrio de Tobita Shinchi en Osaka. Es un barrio dominado por el clan más famoso de la yakuza el Yamaguchi-gumi y en él pululan tanto mafiosos como prostitutas y por supuesto futuros clientes para los placeres de la carne. Aunque “el yukaku” (los burdeles) teóricamente se prohibió por la Ley de Antiprostitución en 1958, algunos burdeles son oficialmente registrados como restaurantes y el lado ligero del barrio rojo de Tobita todavía está funcionando a todo ritmo. Actualmente el Taiyoshi Hyakuban es un establecimiento situado en la esquina nordeste de Tobita shinchi. Originalmente construido como un burdel en 1918, ahora el Hyakuban funciona como un restaurante desde 1970. Se puede decir que es un cruce entre un izakaya (establecimiento para beber) y una posada rural, pero con llamativas decoraciones. Muchos de sus 21 cuartos han cambiado muy poco desde sus días como un burdel. Se pueden observar modelos a escala de famosos hitos japoneses como el santuario de Nikko Toshogu en la Prefectura de Tochigi y el puente de Sanjo Ohashi de Kyoto. Algunos de los cuartos son entablados recordativos de un barco en el río, las paredes están pintadas y decoradas con motivos típicos japoneses y también se encuentra una pieza con shoji que genera la atmósfera de un templo. Arquitectónicamente Hyakuban es un yukaku raro en su tamaño, pero lo que lo hace valioso y especial es que es una construcción del periodo de preguerra, algo difícil de encontrar debido a la destrucción por los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial.
El distrito de Tobita Shinchi también es excepcional porque retiene el aire de la Era de Taisho (1912-1925), si lo comparamos con los diseños de los edificios modernos que lo rodean. Como Tobita está fuera del distrito comercial central, los edificios tradicionales en el área no fueron reemplazados por las estructuras más modernas. Debido a un gran incendio en 1912 más de 2.000 prostitutas y 100 burdeles fueron forzados a salir fuera de Namba Shinchi, fue entonces que un cementerio se eliminó para hacer sitio y construir Tobita Shinchi, uno de los últimos barrios del yukaku en ser autorizado.
La apertura de Tobita Shinchi causó mucha controversia, debido a las campañas de antiprostitución tensionando a la sociedad de ese momento.

Hanami II

2008-04-30T18:42:00.003+09:00

En Japón, en general, se pueden encontrar alrededor de cien variedades de sakura, los más numerosos son de la especie Somei Yoshino y las variedades de Yamazakura. Se pueden observar varias características que difieren entre las varias especies del árbol de cerezo.
El número de pétalos:
Son la mayoría de los árboles salvajes, pero también muchas variedades del árbol cultivado tienen las flores con cinco pétalos. Sin embargo, algunas especies tienen flores de más de cinco pétalos, como diez, veinte o más. Los árboles con las flores de más de cinco pétalos se llaman yaezakura: por ejemplo, 5 pétalos, Oshimazakura; aproximadamente 20 pétalos, Ichiyo; aproximadamente 100 pétalos, Kikuzakura. El color de las flores:
La mayoría son de variedades ligeramente rosadas pasando a las puras flores blancas, pero hay también árboles con flores rosadas oscuras o variedades con las flores ligeramente amarillentas. El color de las flores de algunas variedades también es cambiante mientras están en flor, de blanco a la rosado, por ejemplo; las flores blancas, Shogetsu; las flores rosadas, Kanza; las flores amarillentas, Ukon. El tiempo del florecimiento:
La mayor cantidad de variedades del árbol del cerezo florecen en primavera. También existen algunas variedades que florecen en el otoño y durante los meses invernales.
Un ejemplo extraordinario de árbol de cerezo es el Kikuzakura del Kenrokuen (兼六園菊桜), es un tipo de sakura que se encuentra únicamente en el parque Kenroku.Florece desde finales de abril a finales de mayo. Perteneciente a la variedad de los satozakura. En Japón el único lugar donde existe esta variedad es en el parque Kenroku, alguna vez considerado un tesoro natural de gran importancia, esta especie está casi extinta y en la actualidad se encuentran sólo dos árboles de esta variedad.
En cada una de sus flores se pueden llegar a contar hasta 300 pétalos.

Hanami I

2008-04-30T18:33:00.002+09:00

Mi amigo Kuniyoshi me dice que escriba sobre el Hanami. A pesar de que el florecimiento de los cerezos ya casi ha terminado, aún quedan ejemplares florecidos tardíamente. Aunque en estos tiempos modernos el hanami se asocia con un picnic, con comer y beber alcohol debajo de los árboles floridos sentados encima de un plástico azul, y aunque para muchos es un pretexto para pasarlo bien, en realidad es una fiesta tradicional. Hanami (花見, literalmente "ver flores") es la tradición japonesa de observar la belleza de las flores, por lo general se asocia esta palabra al período en que florecen los cerezos y en el que millones de japoneses acuden a parques y jardines a contemplar los árboles en flor. Las fiestas del Hanami celebran la belleza del sakura y para muchos es una oportunidad para relajarse y disfrutar de la hermosura de las flores. Esta costumbre en Japón de celebrar las fechas del hanami data de muchos siglos, por ejemplo, la crónica Nihon Shoki del siglo octavo recoge fiestas del hanami que se realizaban ya en el siglo tercero.
Pero el auge es durante el Periodo de Heian (794-1191), cuando la nobleza japonesa buscaba emular muchas prácticas de China, incluso el fenómeno social de mirar las flores, en las casas imperiales es donde se juntarían poetas, cantantes, y otros aristócratas y celebrarían bajo las flores. Existen pruebas de que en Japón, se plantaron los árboles de cerezos y se cultivaron para su belleza, para el adorno de las tierras de la nobleza de Kyoto, por lo menos ya en el 794.
Existe una diferencia en el simbolismo; en China el pétalo del cerezo simboliza la belleza femenina, el principio femenino, o el amor en el idioma de las hierbas, pero en Japón se cree que los pétalos del cerezo, debido a su corto periodo de florecimiento ejemplifican la naturaleza transeúnte de la vida. Las flores del cerezo también simbolizan las nubes, además de ser una metáfora paciente para la naturaleza efímera de la vida, un aspecto de la tradición cultural japonesa que es a menudo asociado con la influencia del budismo y qué es incluido en el concepto del mono no aware. La transitoriedad de las flores, la belleza extrema y la muerte rápida, han sido a menudo asociadas con la mortalidad; por esta razón, los Sakura son ricamente simbólicos, y se han utilizado a menudo en el arte japonés, manga, anime, cine, así como en las actuaciones musicales para el efecto ambiental. Ejemplos claros son las canciones de enka y la película El último samurai, cuando muere el jefe del clan samurai interpretado por Ken Watanabe él tiene una visión de pétalos de sakura cayendo de los árboles por efecto del viento y ahí exclama: ¡perfecto! Pero también existe un aspecto negativo, en el castillo de Himeji, durante la Segunda Guerra Mundial, el sakura fue usado para motivar y manipular a los ciudadanos japoneses, para atizar el nacionalismo y el militarismo entre la población. Por ejemplo, los pilotos japoneses pintarían los sakuras en los costados de sus aviones antes de embarcarse en una misión suicida, o incluso llevaban las ramitas de los árboles con ellos en sus misiones. De esta manera una flor de cerezo pintada en el lado del bombardero simbolizó la intensidad y la naturaleza efímera de la vida; la asociación estética se alteró de modo tal que esos pétalos de cerezo caídos vinieron a representar el sacrificio de la juventud en las misiones suicidas para honrar al emperador. El gobierno incluso animó a que las personas creyeran que las almas de los soldados caídos se reencarnaron en las flores.

Cien años de cine japonés

2008-04-20T12:01:00.003+09:00

En este nuevo libro, Cien Años de cine japonés, Donald Richie ha ampliado y renovado el acercamiento hacia el cine japonés que expresara en su libro publicado en 1990. También ha retenido su sensibilidad a las circunstancias reales de producción cinematográfica (algo que los directores de cine consideran importantes, pero los historiadores y críticos pasan por alto a menudo). El por ejemplo desea mostrar el entreteje de las filmaciones con las contribuciones de directores, escritores, el cinematógrafo, actores, compositores, directores de arte, recursos financieros. Es así que analiza los temas importantes como las asunciones japonesas sobre “el realismo”, la respetabilidad creciente del “cine representacional”, la fusión de las culturas altas y bajas, la evolución del género, así como la emergencia del tema contemporáneo dominante, presente ya en Ozu, del fracaso de la familia.

En lugar de mantener los viejos modelos y teoremas, usa el libro como una oportunidad de aportar sus propias ideas en una reexaminación escrupulosa de cada película. Aparte de ayudarnos a hacer nuestra propia valoración de las películas que él discute, también hace un aporte muy útil cuando repasa los títulos seleccionados disponibles en VHS y formatos de DVD.

“Cien Años de cine japonés” también es un siglo de historia japonesa como la historia abordada por el cine: La democracia de la Era Taisho, los forcejeos tempranos de la izquierda, la militarización de Japón, la derrota, la ocupación norteamericana, la reactivación de postguerra y la depresión: En fin, se capturan los sueños colectivos y ansiedades del siglo japonés en sus películas.

Cien años de cine japonés, por Donald Richie. Kodansha International, 2001, 312 págs.

The Midnight Eye Guide to New Japanese Film

2008-04-18T15:55:00.003+09:00

Este libro surge de un trabajo de cuatro años de críticas, reseñas y entrevistas sobre el cine japonés para el website MidnightEye.com. La idea original era publicar El libro de MidnightEye, una colección o selección de las mejores reseñas, comentarios, entrevistas y ensayos del website en un solo volumen. Pero la idea creció en algo mucho más ambicioso. En lugar de recoger lo que ya existía, se decidió el uso del material como el punto de partida para hacer un nuevo libro, enfocado en los directores de cine principales que trabajan hoy en Japón.
La inmensa mayoría del material de este libro es completamente nuevo. Incluso los escritos que se publicaron previamente en el website, fueron revisados puestos al día y vueltos a escribir extensivamente. Da cuenta de una nueva generación de directores de cine aparecida en los años noventa que tiene sus raíces fuera de la industria cinematográfica tradicional. Ellos provienen de los experimentos subterráneos de 8mm, de las líneas de críticos cinematográficos, de las películas “rosa erótica” o porno, de la televisión, y del video juego. Directores de cine jóvenes cuyas actitudes y filosofías de cine eran completamente diferentes de aquéllos del periodo de los grandes estudios. Ellos eran independientes en el espíritu: artistas con nada para perder, pero con todo para ganar. Hoy, estos directores de cine son los que participan regularmente en el circuito de la fiesta cinematográfica internacional, son críticamente alabados, y son objeto de culto por una legión creciente de devotos en el mundo.
Aunque la mayor parte de los directores de cine japoneses todavía tienen que trabajar con presupuestos muy bajos y el apoyo gubernamental a la industria del cine es mínimo, comparado con quince o veinte años atrás ha habido un gran progreso y ha surgido una gran cantidad de talentosos directores. Este libro intenta presentar una selección de veinte de esos talentos y es un esfuerzo por entender y valorar el trabajo de algunos de los directores de cine más brillantes en el mundo del cine de hoy.

The Midnight Eye Guide to New Japanese Film
Reseñas de 97 filmes con un perfil biográfico y filmográfico de 20 directores japoneses contemporáneos: Seijun Suzuki, Shohei Imamura, Kinji Fukasaku, Sogo Ishii, Masato Harada, Kiyoshi Kurosawa, Studio Ghibu (Isao Tata y Hayao Miyazaki), Kaizo Hayashi, Shinya Tsukamoto, Takeshi Kitano,Ryosuke Hashiguchi, Takashi Miike, Makoto Shinozaki, Hirokazu Kore-eda, Shinji Aoyama, Naomi Kawase, Sabu (Hiroyuki Tanaka), Hideo Nakata, Akihitko Shiota.

El templo de Jingoji

2007-11-25T11:25:00.000+09:00

Buscando el momiji, que este año se atrasó por lo menos dos semanas, fuimos con nuestra entusiasta amiga Sonoko a visitar el templo de Jingoji en la montaña de Takao. Desde la estación JR de Arashiyama se sube en un bus por media hora en un viaje muy hermoso en medio del bosque.
Jingoji es un templo venerado por la secta Shingon fundado en el año 781. Desde el 809 Kukai (Kobo Daishi; el fundador de la secta Shingon) fue durante 14 años el sacerdote principal. Además de la estatua de Yakushi Nyorai (un Tesoro Nacional) el templo retiene muchas pinturas de las imágenes budistas y escrituras de los periodos Heian y Kamakura.

También se encuentra El Bonsho (un Tesoro Nacional). Es una de tres campanas más famosas en Japón. Hecha de bronce, su altura es 1,47 metros y su diámetro de 80,3 centímetros. Las palabras de la inscripción en la campana han sido escritas por Tachibana no Hirosuke, el título por Sugawara no Koreyoshi y escritas a mano por Fujiwara noToshiyuki. El Templo de Jingoji es muy popular durante el otoño debido a sus hojas de color rojo.

Se dice que una razón importante para trasladar la capital desde Nara a Kyoto en 794, era conseguir dejar fuera o escapar de la influencia del budismo de Nara que estaba entrometiéndose en la política. Kyoto era una ciudad sin los templos dentro de sus paredes. Los templos más cercanos, Toji y Saiji, estaban al oeste y el este fuera de Rashomon, la gigantesca puerta principal de la ciudad. Otros templos aun estaban más lejos de los enredos mundanos; en las colinas que abrazan la ciudad: Enryakuji en Mt. Hiei, Kuramadera en Mt. Kurama, Daigoji en Mt. Daigo y Jingoji en Mt. Takao. Para llegar a ellos en esa época el viaje duraba por lo menos un día.

Jingoji está asentado aparentemente en una colina inaccesible. Para alcanzarlo, tenemos que descender primero una larga escalera en la garganta del río Kiyotaki. Hay un puente escénico aquí y la entrada está al otro lado: otra escalera muy extensa de piedras artesanales nos llevan gradualmente hacia arriba. Después de unas curvaturas se ve la apertura de la gran entrada. Las explanadas del templo vienen como una sorpresa. Aunque asentándose en una montaña, ellas son anchas y se abren al vestíbulo principal (una reconstrucción moderna) que está encima de otra enorme escalera, al interior podemos ver la estatua solemne del Yakushi, el Buda Curativo, la imagen principal de Jingoji.

El Yakushi Nyorai de Jingoji es una estatua en pie esculpida de madera negra. El cuerpo es corto, fuerte y musculoso, la cara tiene una gran expresividad. La estatua también posee un cierto grotesco, por ejemplo, en la redondez exagerada y la barbilla espesa que dan una impresión muy moderna. Es una escultura poderosa, conveniente para un templo que fue construido para permitirse el lujo de protección divina a una ciudad entera.

Jidai Matsuri

2007-11-21T22:04:00.000+09:00

En octubre decidí asistir por primera vez al Jidai Matsuri y recorrí todo el circuito siguiendo el desfile por las calles de Kyoto.
Hace aproximadamente 1.200 años, el Emperador Kammu escogió el pintoresco Yamashiro con sus hermosas montañas y el agua limpia como el sitio de Heian-Kyo, la nueva capital.
Esta decisión, tomada el 22 de octubre en el año 794, fue el principio de Kyoto. En la celebración del aniversario 1.100 de la fundación de la capital y en conmemoración del Emperador Kammu, los ciudadanos de Kyoto establecieron el santuario de Heian en 1895.
Uno de los propósitos de fundar el santuario era dejar para la posteridad un símbolo del gran respeto de los ciudadanos de ese tiempo por el Emperador. Otro propósito era unir a la ciudad entera bajo la organización de “Heian Kosha”. Fue así como se decidió celebrar anualmente todos los 22 de octubre (la fecha cuando la capital se trasladó a Kyoto) con una gran fiesta.
El Jidai Matsuri es uno de los tres festivales más grandes de Kyoto junto con el Aoi Matsuri (el 15 de mayo) y el Gion Matsuri (el 1 - 31 de julio).
El momento culminante de la fiesta es el Jidai Gyoretsu (la Cabalgata Histórica): A mediodía la procesión parte de Kyoto Gosho (el Palacio Imperial Kyoto) y el desfile cubre una distancia de 4,6 kilómetros hasta su destino final, el santuario de Heian, llegando allí alrededor de las 14:30 horas. Esta fiesta es una procesión de trajes típicos y variados, artículos de la nobleza así como el desfile de los plebeyos, representando las varias edades históricas de más de diez siglos. Con el nombre de “Festival de las Edades”, en esta procesión participan aproximadamente 2,000 personas marchando por varios kilómetros en las calles principales de la ciudad.
Los trajes y equipos usados en esta procesión son históricamente exactos, basados en la investigación rigurosa de varios expertos en sus campos respectivos. Por ejemplo, el tejido y tinte de los trajes se llevan de la misma manera como eran los originales.
Al principio participaban sólo seis secciones en la procesión. En 1931 se extendieron a 10 secciones. Suspendida en 1944, debido a la guerra, la procesión se reavivó en 1950 con agrupaciones más extensas y más pompa.
La Procesión de los Patriotas de la Restauración de Meiji se agregó en 1966 para conmemorar el 100 aniversario del Emperador Komei.
El Jidai Matsuri es un espectáculo espléndido que cautiva a los espectadores con su celebración pródiga en colorido y que muestra las glorias de días pasados en la historia de la ciudad de Kyoto.

Haikus de Hierba flotante

2007-11-20T21:50:00.000+09:00

En el sitio de Kobayashi Issa en internet, que se lanzó en mayo del 2000, encontré varios haikus que abordan la hierba flotante. Este website se creó en la Universidad de Xavier de Louisiana como un proyecto de los medios de comunicación, patrocinado por el Centro de Enseñanza Avanzada. Una versión japonesa está ahora disponible. Todas las traducciones al inglés son de David G. Lanoue y se basaron en el zenshû de Issa (Nagano: Shinano Mainichi Shimbunsha, 1976-79) 9 volúmenes.
Kobayashi Issa, junto con Bashô, Buson, Shiki, es uno de los cuatro más grandes poetas de la tradición japonesa del haiku. El nació en el pequeño pueblo de Kashiwabara en las montañas de la Provincia de Shinano en el quinto día del Quinto Mes, 1763: El 15 de junio en el calendario Occidental. Él murió en el mismo pueblo el 5 de enero de 1828.
He seleccionado tres de sus haikus que ofrezco en mi precaria traducción al español.

1803
浮草の花より低き通りかな
ukikusa no hana yori hikuki tôri kana

duckweed blooms
and below that
a street

la hierba flotante florece
y debajo de ella
una calle

Makoto Ueda cree que éste es un boceto del barrio de Issa en 1803: una área al lado del Río de Tate en Edo (el Tokio de hoy) donde las calles eran más bajas que el nivel del agua; Rocío en el Césped: La Vida y Poesía de Kobayashi Issa (Leiden/Boston: Brill, 2004) 49.

1803
浮草や黒い小蝶のひらひらと
ukikusa ya kuroi ko chô no hira-hira to

duckweed
a little black butterfly
flitting

hierba flotante
una pequeña mariposa negra
revoloteando

Según los editores de zenshû de Issa, Issa habría pronunciado hierba flotante, ukikusa. La pronunciación moderna = ukigusa; (Nagano: Shinano Mainichi Shimbunsha, 1976-79) 1.403.

1812
浮草にぞろりと並ぶ乙鳥哉
ukikusa ni zorori to narabu tsubame kana

over the duckweed
one by one in a row...
swallows

encima de la hierba flotante
una por una seguidas...
las golondrinas

Según los editores de zenshû de Issa, Issa habría pronunciado hierba flotante, ukikusa. La pronunciación moderna = ukigusa; (Nagano: Shinano Mainichi Shimbunsha, 1976-79) 1.403.

Los suicidios en Okinawa

2007-11-20T15:14:00.001+09:00

Un gran debate se está dando hoy en la sociedad japonesa, debido a que los editores de libros de texto de historia para la escuela secundaria han pedido al Ministerio de Educación, Cultura, Deportes, Ciencia y Tecnología reintegrar las descripciones en que se afirma que el Ejército Imperial japonés obligó a los ciudadanos a que cometieran suicidio en masa durante la Batalla de Okinawa.
La controversia empezó cuando descripciones que muestran que el ejército estaba detrás de los suicidios en masa estaban completamente eliminadas del libro de texto que se usó en el semestre de primavera de 2007. Según los editores y autores de textos no había ninguna razón para cambiar el punto de vista duradero del ministerio. El ministerio de educación había mantenido la posición de reconocer el hecho de que el ejército ordenó los suicidios en masa. Más de 200.000 civiles se quitaron la vida, incluyendo familias enteras, tras la batalla de Okinawa en 1945 y la invasión de soldados estadounidenses.
A tal punto ha llegado esta polémica que incluso el Premio Nobel de Literatura Kenzaburo Oe, al publicar su libro Notas de Okinawa, fue demandado por un ex comandante japonés de 90 años que sirvió en Okinawa, quién se desplegó en la isla de Zamamijima durante la batalla, y también por un viejo pariente de 74 de años de un funcionario anterior. El editor, Iwanami Shoten, también está demandado.
Oe dijo en una audiencia judicial en una corte del distrito de Osaka que: “Yo no veo una necesidad de hacer una corrección del hecho de que los suicidios en masa se forzaron por una orden (del ejército)”. Oe insistió que él no revisaría su libro Notas de Okinawa en que afirma que el Ejército Imperial japonés coercionó a los paisanos para cometer el suicidio en masa en los días finales de la Batalla de Okinawa en 1945.
Los dos querellantes sostienen que el ejército no pidió los suicidios. Exigieron 15 millones de yenes en compensación y que la impresión del libro de Oe sea detenida, ellos alegan que el libro hirió su honor.

En la estación de Kioto

2007-11-19T20:50:00.000+09:00

Cuando nos visitaron nuestros amigos Víctor y Carmen siempre nos juntábamos en la estación de Kioto. A ellos les impresionó esta gigantesca construcción tan moderna. En septiembre, el edificio de la estación de Kioto de JR cumplió diez años. Aunque ha recibido críticas porque no se corresponde con el paisaje de la ciudad, no obstante cada año aumenta el número de pasajeros y en el 2006 se contabilizaron 37 millones 530 mil viajeros. Por tal razón, las tiendas que funcionan al interior del edificio están arrojando buenas ganancias. Se dice que en los próximos años se va a convertir en la zona comercial más grande de la región de Kansai. La silueta de la estación de Kioto, una de las obras de Hiroshi Hara (Kawasaki, 1936), sobresale por sus medidas descomunales: ocupa 235.257 metros cuadrados y mide 470 metros de largo, 80 metros de ancho y 60 de alto.
El edificio es un gran complejo multifuncional que explora la relación entre diferentes niveles de altura y de circulación de peatones, trenes y subterráneos. En este caso también se busca interconectar una gran cantidad de espacios mixtos distribuidos en tres niveles subterráneos y 16 plantas superiores.
“En realidad, la estación ocupa sólo el diez por ciento de la superficie total, el resto son hoteles, comercios y oficinas. Está diseñada para que los que viajan no entren necesariamente en contacto con las demás actividades del complejo”, explica Hara.
Al final se impuso el uso comercial y de ocio de este edificio multifuncional. Por ejemplo, aquí se encuentran los grandes almacenes (Isetan) y el Hotel Gran Vía Kioto.
Isetan en 1998 vendió 44 mil cuatrocientos millones de yenes y en el 2006 facturó 67 mil trescientos millones de yenes. En cambio los almacenes de Daimaru que están al norte de la estación, bajó sus beneficios de 93 mil novecientos millones a 83 mil seiscientos millones y también el Takashimaya que queda en la misma localización bajó de 113 mil ochocientos millones a 103 mil cuatrocientos millones de yenes.
Por supuesto, hay opiniones que se oponen como: “No corresponde con el tipo tradicional de Kioto”y el “Nuevo edificio es un muro grande” sobre el nuevo edificio de la estación. El jefe de la asociación de budismo de Kioto, Raitei Arima dice “que no es conveniente y no hay necesidad de construir este tipo de edificio en Kyoto”.
Sin embargo, cuando el ayuntamiento de la ciudad de Kioto realizó una encuesta sobre el símbolo de la construcción de Kioto, la gente nombró al edificio de la estación en el quinto lugar y sobre todo los estudiantes lo eligieron como el nuevo símbolo de Kioto.

Midosuji Parade 2007

2007-10-17T11:22:00.000+09:00

El 14 de octubre fuimos con nuestras amigas Sonoko y Beatriz al Desfile de Midosuji. Como todos los años fue una muestra espectacular de grupos, música y color. Pero este año fue especial ya que se celebró la parada número 25 y también los 70 años de la avenida Midosuji, con la participación en el desfile de grupos internacionales que representaron a Tailandia, Malasia, Taiwán, Indonesia, Filipinas, China, Rusia, Egipto y Bolivia.

La avenida de Midosuji es la calle Simbólica de Osaka, tiene 4 kilómetros de largo y 44 metros de ancho, y conecta Umeda y Namba, los dos centros principales y mayores de Osaka. A lo largo de la avenida existe una gran variedad de negocios, restaurantes y centros de entretenimiento que juntos contribuyen a la popularidad del área de Midosuji.

En mayo 1937 la avenida de Midosuji se terminó de construir, aumentando la anchura de la calle de 6 a 44 metros que era bastante raro por esos días. La decisión para aumentar la anchura se tomó por el entonces alcalde de Osaka, quien correctamente se anticipó al desarrollo futuro de Osaka y al aumento dramático de tráfico que seguiría. Esta remodelación fue acompañada por la construcción de la Línea de Metro Midosuji y tomó 11 años para completar ambos proyectos.

El área de Midosuji ha evolucionado con la instalación de una gran variedad de negocios y tiendas. Por ejemplo, el área de Hommachi a Shinsaibashi recientemente se ha vuelto un lugar de moda con la apertura sucesiva de tiendas que ofrecen los productos más famosos de marca mundial.
En el área de Yodoyabashi, los cafés sofisticados y restaurantes están abiertos en edificios que fueron fundados a principios del siglo XX. El área de Namba, conocida como un lugar excelente para comer, es muy popular entre los turistas.

La avenida de Midosuji es especialmente hermosa en otoño cuando las hojas del ginkgo (un árbol fósil viviente) se ponen de un color amarillo dorado.
El Desfile de este año celebró los 70 años de la avenida de Midosuji, con desfiles vistosos de los grupos a lo largo de 2,1 kilómetros y con carros alegóricos que ilustraron las escenas de la historia más significativa, de los eventos más importantes de la ciudad de Osaka.

Masaki Kobayashi

2007-09-14T21:19:00.000+09:00

Estudió arte oriental y filosofía en la Universidad de Waseda, y en 1941 comienza a trabajar en los estudios Shochiku como ayudante de dirección. Poco después es movilizado para combatir en la II Guerra Mundial y hecho prisionero en Okinawa. Debuta como director a principios de los cincuenta con los melodramas sociales La juventud del hijo (1952) y Sinceridad (1953). Su primera película importante es La habitación de gruesas paredes (1953), que narra auténticas historias de criminales de guerra, pero sólo se estrena cuatro años después por miedo a las fuerzas de ocupación norteamericanas, y prosigue con los melodramas sentimentales. Sus primeros éxitos son Te compraré (9156) y Río Negro (1957), antes de darse a conocer en Occidente con la monumental La condición humana (1959-61), adaptación de la novela de Jumpei Gomikawa con una duración de casi diez horas, dividida en tres partes para su explotación comercial y realizada a lo largo de unos cuatro años. Gana importantes premios en los festivales de Cannes y Venecia con Harakiri (1962), que ataca el código moral de los samurais del siglo XVI; Kwaidan (El más allá) (1964), personal adaptación de varias de las historias de fantasmas japonesas recogidas por Lafcadio Hearn en un célebre volumen; y Rebelión (1967), donde de nuevo se enfrenta con la ética de los samurais. Tras Pavana para un hombre acosado (1968), adaptación de la novela del escritor católico Shusaku Endo sobre el conflicto generacional planteado durante la Guerra del Vietnam, la crisis de los grandes estudios japoneses le hace rodar películas mucho menos interesantes durante la década de los setenta, a pesar de haber participado en la creación de la productora Yonki no Kai (Los Cuatro Mosqueteros) con los directores Keisuke Kinoshita, Akira Kurosawa y Kon Ichikawa. Tienen más interés sus trabajos de los años ochenta, tanto el documental Los procesos de Tokio (1984) como la historia de ficción La mesa vacía (1985).
Filmografía

Musuko no seishun (1952) La juventud del hijo.
Magokoro (1953) Sinceridad.
Kabe atsuki heya (1953) La habitación de gruesas paredes.
Mittsu no ai (1954) Tres amores.
Kono hiroi sora no dokoka ni (1954) En algún lugar del cielo inmenso.
Uruwashiki saigetsu (1955) Los días magníficos.
Izumi (1956) La primavera.
Anata kaimasu (1956) Te compraré.
Kuroi kawa (1957) Río negro.
Ningen no joken I (1959) La condición humana, 1. Ningen no joken II (1959) La condición humana, 2. Ningen no joken III (1961) La condición humana, 3.
Seppuku (1962) Harakiri.
Karami-ai (1962) La herencia.
Kwaidan (1964) El más allá.
Joî-uchi (1967) Rebelión.
Nihon no seishun (1968) Pavana para un hombre acosado.
Inochi bo ni furo (1971) El albergue del mal.
Kaseki (1975) Los fósiles.
Moeru aki (1979) Otoño abrazado.
Tokyo saiban (1984) Los procesos de Tokio.
Shokutaku no nai ie (1985) La mesa vacía.

Fuente: Weinrichter, Antonio. Pantalla amarilla. El cine japonés, T&B Editores, Madrid, 2002. 108 páginas.

Kwaidan

2007-09-14T21:10:00.000+09:00

De las películas de fantasía sobrenaturales, Kwaidan de Masaki Kobayashi es una de las más logradas. Son cuatro episodios, basados en las escrituras de Lafcadio Hearn, un folklorista de linaje griego-irlandés que vivió en Japón. Hearn se convirtió en un ciudadano japonés naturalizado en 1895, y cambió su nombre a Yakumo Koizumi. Estos cuatro cuentos dirigidos por Kobayashi, no sólo se despliegan como versiones de las pinturas japonesas clásicas, de los periodos históricos en que la película está filmada, sino que se presenta una visión en que la belleza y el horror además de coexistir se complementan entre sí.
En ella Kobayashi puso toda su ambición estética y dramáticamente adaptó elementos del Kabuki y del teatro de títeres Bunraku a las técnicas de filmación, logrando una perfecta síntesis entre realismo y estilización.

El primer episodio, El Pelo Negro, es sobre un samurai pobre, quién se divorcia de su paciente y amorosa esposa cuando él tiene una oportunidad para casarse con la hija de un hombre rico. Pero el samurai descubre rápidamente que esa riqueza y seguridad no vale nada al lado del verdadero amor. Anhelando a su primera esposa, él regresa al lado de ella. Alegremente comprueba que aunque su vieja casa es una ruina, su primera esposa no ha cambiado nada desde que él la dejó. Su hermoso pelo negro es tan lustroso y bello como siempre. Estremecido por esta visión él jura quedarse con ella para toda la eternidad. Pero no sabe que detrás de este estado inalterado hay un ser ominoso.
La Mujer de la Nieve cuenta la historia de un pobre leñador y su amigo perdidos en medio de un bosque bajo una feroz tormenta de nieve. Encuentran refugio en una choza y se derrumban y duermen a causa del agotamiento. Pero cuando el leñador despierta, descubre un misterioso fantasma con forma de mujer exhalando su respiración helada encima del cuerpo de su amigo y matándolo. Ella al descubrir al leñador, tiene piedad de él y salva su vida. Pero este fantasma mortal le advierte que él nunca debe repetir a alguien lo que ha visto.
Diez años pasan. El leñador es un hombre alegremente casado con tres niños. Su esposa, alabada por la comunidad como un ideal de paciencia y belleza, parece no envejecer. Tan seguro está nuestro héroe con su familia que él decide decirle a su esposa sobre la mujer misteriosa que casi termina con su vida.
Otra historia de amor frustrado, al descubrir este pobre leñador que su esposa no es quien ella parece ser. Hoichi, el músico sin orejas, es el tercer episodio sobrenatural y el más espantoso. La historia se centra en Hoichi, un hombre ciego famoso por su habilidad de recitar acompañándose del Biwa. Con su música y canciones representaba la batalla entre los clanes de Heike y de Genji, cuyos restos mortales están enterrados muy cerca del monasterio. De hecho al tocar así los fantasmas regresan y le exigen a Hoichi que durante seis noches actué para ellos representando la batalla de Dan no Ura.
Hoichi está deseoso de hacerlo delante de este público fantasmal, pero sus actuaciones nocturnas deterioran su salud lo que llama la atención del monje principal del monasterio. Consciente de que las fantasmas rasgarán a pedazos a Hoichi si él continúa cantando para ellos, el monje toma las precauciones para protegerlo, pintando el cuerpo entero del cantante ciego con los versos del sutra sagrado Hanna Shin Kyo. Él desgraciadamente, no pinta las orejas de Hoichi.
En Una taza de té, el último episodio de la película, es sobre la narración en que un escritor recuerda y relata la saga de un guerrero, quien descubre la reflexión de alguien más mientras está mirando en su taza de té. Pronto el guerrero se confronta con este entrometido. Pero desafiándolo a un duelo, nuestro héroe de carne y huesos aprende que se trata de un fantasma muy huidizo y no logra derrotarlo.
Pronto este espíritu fastidioso se une con un trío de otros fantasmas con los cuales el guerrero lucha en un gran combate, pero con semejantemente resultados frustrantes, al no poder vencerlos.

Susuki

2007-09-10T00:35:00.000+09:00

En la novela Tokio Blues, Norwegian Word, de Haruki Murakami, aparece una especie botánica llamada Susuki. Transcribo de la edición publicada por Tusquets editores, 2007 (página 10): “Recuerdo las espigas de susuki balanceándose al compás del viento de octubre, las nubes largas y estrechas coronando las cimas azules, como congeladas, de las montañas”. A final de página hay una nota que dice que es una especie de gramínea.
En realidad, su nombre científico es Miscanthus sinensis y se cultiva como planta ornamental. En Japón, donde se la conoce como susuki, (también puede ser llamada obana) es considerada una planta ícono del fin del verano y del principio del otoño.
Es mencionada en el Manyōshū (Vol. 8, 1538) como una de las siete hierbas de otoño (aki no nanakusa). A mediados de otoño se realiza un festival que celebra a la luna de la cosecha, para los japoneses la luna más bella de todo el ciclo anual, y el susuki se utiliza para elaborar un arreglo floral que se decora con el trébol japonés o hagi (Lespedeza japonica). Las otras cinco hierbas de otoño son el arruruz o kuzu, (Pueraria lobata); clavel salvaje o nadeshiko, (Dianthus superbus); patrinia u ominaeshi, (Patrinia scabiosaefolia); cáñamo o fujibakama, (Eupatorium fortunei), y la campanilla china o kiky (Platycodon grandiflorum).
Como curiosidad podemos mencionar que su imagen es usada para el octavo mes en el juego de cartas hanafuda (花札, “juego de las flores”) un tradicional juego de mesa de naipes japonés que consiste en formar y juntar parejas y que se inventó a mediados del siglo XVI. En Japón, es una de las dos barajas más populares junto al uta-garuta (“el juego de los cien poetas”).

Kumano Nachi Taisha

2007-09-07T20:47:00.001+09:00

El tercer santuario importante en Wakayama que visitamos fue el Kumano Nachi Taisha, localizado en la mitad del camino de la montaña Nachi. Este santuario se originó en la antigua fe que rendía culto a una gran cascada llamada Nachi no Otaki. Originalmente, este santuario se localizó al pie de la cascada; después se relocalizó al sitio presente. Anualmente aquí el 14 de julio se celebra el festival de fuego, Nachi no himatsuri, que honra al Emperador Jimmu que, según la leyenda, se detuvo aquí para orar antes de seguir y conquistar el Yamato antiguo.
Este santuario contiene a cinco edificios sintoístas llamados “Kumano-Gongen” y son considerados propiedades culturales importantes de Japón, debido a su estilo arquitectónico de los siglos 8 y 10.

Kumano Hayatama Taisha

2007-09-06T20:49:00.000+09:00

El segundo santuario de Kumano, que visitamos en Wakayama, fue el Kumano Hayatama Taisha, situado en la ciudad de Shingu.
Está ubicado cerca del río Kumanogawa, así como del monte Gongenyama en donde se localizan el templo Kamikura-jinja y los sitios rituales Mifunejima y Otabisho. Anualmente el 6 de febrero se realiza la fiesta de fuego llamada Kumano Otomatsuri. Se encuentra también en este lugar el Árbol de Nagi una antigua especie nagi, conífera, de hoja perenne criado en las áreas templadas. Aproximadamente de 5,5 m. en la circunferencia de la raíz, 4,5 m. en la circunferencia del tronco y 17,6 m. de altura, es un árbol gigantesco venerado como un objeto sagrado. Se dice que Taira-no-Shigemori lo plantó en la era de Heian. Es uno de los árboles nagi más grandes en Japón, y es considerado uno de los tesoros naturales del país.
Existe una historia muy singular sobre la deidad de este santuario. Se piensa que el dios de Hayatama es el hijo de Hongu la diosa del Gran santuario Kumano Hongu.

Kumano Hongu Taisha

2007-09-06T14:34:00.000+09:00

Viajamos a Wakayama con nuestra amiga Yumiko y visitamos Kumano Sanzan. Este lugar, localizado al sudeste de la cordillera de Kii, incluye los tres santuarios de Kumano Hongu Taisha, Kumano Hayatama Taisha y Kumano Nachi Taisha, y dos templos el de Seiganto-ji y el Fudarakusan-ji.
Estos santuarios y templos llegaron a ser venerados como el destino final de los Peregrinos de Kumano por la “Teoría de la Unidad del Sintoísmo-budismo” que enseña que Dios es la manifestación de Buda y por el hecho de que sus dioses principales fueron considerados como la encarnación de Amida-nyorai, Yakushi-nyorai y Senju-kannon. El Seiganto-ji y Fudarakusan-ji estuvieron estrechamente asociados con el santuario Kumano Nachi Taisha durante la Unificación del Sintoísmo y Budismo.
En el periodo de Kamakura, en la segunda mitad del siglo XI, emperadores y aristócratas visitaron estos monasterios, iniciando el periodo más prestigioso del peregrinaje a Kumano. Pronto, la gente de todos los rangos sociales, desde los samurais a los lugareños, comenzaron a llegar en gran número y rendían culto a estos tres santuarios principales. El camino del peregrino, de Kioto a Kumano, llamado Kumano Kaido, tenía largas colas de peregrinos, por lo que estas filas de manera graciosa eran denominadas ari no kumano mode (“desfile de hormigas en peregrinaje a Kumano”). Uno de sus símbolos es el Yatagarasu, un cuervo de tres patas, que se decía que era una encarnación del sol en el Este de Asia, por ejemplo, apareció en un cuento chino y pintado en la pared de una tumba coreana antigua. Yatagarasu, mensajero por los dioses de Kumano está impreso en los talismanes o amuletos y en la bandera de estos santuarios, y se dice que sus tres piernas significan cielo, tierra y humanidad.En japonés antiguo, Kumano quiere decir profundo o un lugar profundo, e indica un lugar místico o uno donde una deidad existe. El Kumano Hongu Taisha deifica a Ketsumikonokami y es el santuario principal o cabeza de más de 3.000 santuarios de Kumano que se localizan a lo largo de Japón. Hasta 1889 se ubicaba en Oyunohara, pero fue dañado por una gran inundación, y se relocalizó en 1890 a su sitio actual.

Enryaku-ji

2007-08-29T17:53:00.000+09:00

Con nuestro amigo Tatsuya hemos visitado en Otsu el Enryaku-ji (比叡山延暦寺).
En diciembre de 1994, Enryaku-ji en la Montaña Hiei fue registrado por la Unesco como un patrimonio cultural de la humanidad. Desde que se construyó allí un monasterio por Saicho Dengyo Daishi en el siglo 8, esta sagrada montaña ha producido a muchos de los sacerdotes más importantes en la historia japonesa.

No existe ningún templo particular que fuera construido con el nombre de “Enryaku-ji” en la montaña Hiei (848 metros de alto). Más bien, la montaña es un conjunto de más de 100 templos llamado “Enryaku-ji”. Las construcciones budistas se encuentran en tres áreas To-do (el Complejo de Torre del Este; El Área oriental), Sai-to (el Complejo de Torre del Oeste; El Área occidental) y Yokawa. Podemos decir que la naturaleza, los complejos de templos esparcidos alrededor de la montaña, aquéllos que realizan las prácticas ascéticas, y los visitantes, todos juntos, componen la comunidad budista de la Montaña Hiei.

Por eso siguiendo a Buda quien enseñó que todo en la tierra tiene la naturaleza del buda, en este lugar la religión, el ambiente natural, la cultura, y los seres humanos son todos integrados en una unidad indivisible.
Muchos fundadores de otras sectas japonesas de Budismo, estudiaron y aprendieron en Enryaku-ji entre ellos están Honen (la secta de Jodo-shu), Shinran (la secta de Jodoshin-shu), Dogen (la secta de Soto-shu), Nichiren (la secta de Nichiren-shu) e Ippen (la secta de Ji-shu).

Como el lugar de nacimiento de una gran cultura humana, Enryaku-ji ha mantenido una luz de inteligencia durante doce siglos.